con el cine de autor, analizamos las obras de los directores, sus vidas y cómo llegaron a ser sus películas. Nos remontamos al pasado para analizar cómo estos directores plasmaron sus visiones en una película coherente. Al hacerlo, nos transportamos a una época en la que la era de los estudios de Hollywood creó a algunos de los mejores directores de cine jamás conocidos junto con algunas de las mejores películas.
también fue durante este período que se creó el término «teoría del autor» para defender la pureza y la transparencia del estilo de los cineastas., En 1951, un grupo de críticos franceses fundó Cahiers du Cinema (Cuadernos de cine), una revista que se convirtió en influyente en el mundo del cine. Se hicieron tan influyentes que, en 1954, uno de los escritores de la revista, Francois Truffaut, propuso la simple idea de que un director es el autor de una película determinada. Desde entonces, se ha discutido mucho sobre la » teoría del autor.,»Se enfocaron en el trabajo del director, usualmente referido como la mise-en-scene (la composición de todo lo que aparece frente a la cámara y sus arreglos, y la cinematografía), temas y una tendencia a favorecer las historias psicológicas en entornos sociales.
la teoría propone que aunque el director tenga un director de fotografía, un escenógrafo y un editor, todos están colaborando con el punto de vista del director, que es, estampar su visión y estilo en la película.,
si eso es lo que se necesita para hacer del director el «autor» de su obra, de manera similar a un autor de una novela, entonces, todos los directores deben ser considerados autores. Sin embargo, su idea del Auteurismo era hacer una distinción entre las películas y las películas que son dignas de estudio serio, haciéndolas únicas en estilo y voz. Después de todo, como dijo Truffaut, » no hay películas buenas o malas, solo directores buenos y malos.,
la teoría dio lugar a la reevaluación de películas y directores como Alfred Hitchcock, Howard Hawks, William Wyler, John Huston, Charles Chaplin, John Ford, por nombrar algunos, desde la década de 1950 en adelante durante la era de los estudios de Hollywood.
¿Qué tal Ahora? ¿Qué decir de los cineastas más recientes? ¿Se puede aplicar hoy la misma teoría? Si es así, ¿los cineastas de autor de hoy en día estarían más aislados de los festivales de cine y los cines de arte, por ejemplo, o podrían también lograr hacer películas dentro del sistema de estudio que también atraigan a un público más amplio?,
los siguientes directores son nombres que surgieron en una conversación casual reciente. Ambos estuvimos de acuerdo en que, para ser considerado un autor hoy en día, el director también debería estar involucrado en el proceso de escritura. La primera mitad de esta lista proviene de esta conversación y la otra mitad se basa en mi humilde opinión. No voy a ofrecer ningún análisis profundo de su trabajo aquí, sino cómo encajan en esta teoría. He aquí una lista de algunos directores que merecen algún reconocimiento como cineastas de autor de nuestros tiempos.
10., Paul Thomas Anderson
permítanme comenzar con el hombre que me hizo pensar en esta lista. Tanto se ha dicho, analizado y discutido ya sobre su obra. Anderson debutó como director a mediados de los 90 y desde entonces ha realizado películas de estudio serio. Cualquiera podría intentar afirmar que sus películas son más artísticas que comerciales. Sin embargo, su trabajo está tan meticulosamente creado que los grandes estudios de cine están dispuestos a financiarlo, porque saben que el público en general verá sus películas, mientras que el público de nicho seguirá disfrutando de la profundidad de su contenido., Es uno de los directores más respetados y solidificados que tenemos ahora. Su mayor inspiración fue el director de Hollywood Robert Altman, y estos dos trabajaron juntos en la última película de Altman, a Home Prairie Companion.
Ahora que el Sr. Anderson es famoso por escribir sus propias películas probablemente no sea una sorpresa. Este hábil cineasta sabe escribir personajes poderosos con inteligencia y gusto, y una tendencia a favorecer las historias psicológicas en entornos sociales, similar a otro director de Hollywood William Wyler de la era b&W., Podemos ver esta tendencia en películas como Magnolia, There Will Be Blood, y The Master. Anderson es famoso por tomas largas que se pueden notar en casi todas las películas (la apertura de Boogie Nights es un buen ejemplo) y la complejidad de la caracterización. La banda sonora y la partitura también tienen un gran impacto. En Magnolia, por ejemplo, cuando la cámara comienza a seguir a los personajes que se dirigen al programa de televisión, la partitura acompaña el movimiento de la cámara y se intensifica en momentos dramáticos, o juega bajo tono en el fondo, casi imperceptible en otros.
9., Wes Anderson
Wes Anderson crea su propio estilo visual, dando una mirada mixta de animación y realidad, y tendencias narrativas. Cada película de Anderson tiene un encuadre muy original y una escritura de guiones llena de charla. El hombre es un visionario. Su tono cómico y el tiempo son agudos con al menos un personaje en cada uno de estar obsesionado con su proyecto o misión actual. Su particular estética se puede ver en películas como Moonrise Kingdom, The Royal Tenebaums, Rushmore y The Fantastic Mr.Fox.,
en su última película, The Grand Budapest Hotel, La coloración se siente como un hermoso libro de cuentos que es hipnotizante. Anderson sella su firma con una cinematografía bien moldeada que algunos tienden a llamar «tomas desafiantes». Anderson también ha añadido su firma para crear mundos imaginarios en sus historias. Moonrise Kingdom tiene lugar en» New Penzance», mientras que el Grand Hotel se encuentra en la República de Zubrowka. Anderson parece estar rindiendo homenaje a las películas extranjeras. Me vienen a la mente directores europeos como Godard, principalmente por la paleta de colores que elige.,
8. Quentin Tarantino
Tarantino siempre me ha dado la impresión de que promueve la violencia gratuita. No estoy sugiriendo que la violencia deba justificarse para que ocurra. He estado más bajo la suposición de que Tarantino era más eficiente escribiendo escenas que historias. Poniendo mis sentimientos a un lado, y echando un vistazo más de cerca a su trabajo
primero, el hombre crea notables personajes independientes. ¿Quién puede olvidar personajes memorables como los interpretados por Uma Thurman en Kill Bill, O Shoshana Dreyfus en Inglorious Basterds?, ¡Sí, Pulp Fiction también tiene grandes personajes! La complejidad de la caracterización, el motivo y el estilo se hacen visibles y constantes a lo largo de sus películas. Los Westerns, el Anime japonés y las artes marciales han influido en gran medida en Tarantino.
7. Terrence Malick
en el período de 40 años, Malick solo ha dirigido seis películas. Tal vez eso explique por qué la gente no está tan familiarizada con él. Es conocido por ser un director solitario y evita la prensa como el diablo evita la Cruz. Su vida privada es lo primero., Independientemente de su decisión, Malick ha contribuido con algunas grandes películas. Me introdujeron por primera vez en su mundo cinematográfico con The Thin Red Line (1998), y he admirado su trabajo desde entonces. Los estudios de cine se ocupan de los plazos, pero Malick es conocido por» vagar y experimentar con el cine » y no ser tan considerado con estos plazos. Con el tiempo, el moderno sistema de Estudios de Hollywood y Malick han aprendido a manejar sus diferencias.
sin embargo, cuando la teoría del autor se aplica a su obra cinematográfica, es un maestro., Prefiere que la cinematografía sea de luz natural sobre la creada en un estudio. Le encanta la» hora mágica » (amanecer o atardecer) para rodar escenas. En retrospectiva, a lo largo de Badlands, Days of Heaven, The Thin Red Line y The New World, los sonidos de la naturaleza han dejado una huella prominente en sus películas. Los sonidos de pájaros, grillos y otros animales son casi constantes y representan la conexión del hombre con la naturaleza. Y, una de sus mayores firmas a lo largo de sus películas es sin duda el uso prevalente de la voz en off. Un portal de guiones avanzado que ha abusado lentamente con el tiempo.,
6. Martin Scorsese
«¿Me estás hablando?»Scorsese ha invitado al público al otro lado de la ciudad de Nueva York. Taxi Driver (1976) es un homenaje temático a The Searchers (1956) de John Ford, que marca el comienzo de personajes inadaptados sociales (protagonistas como antagonistas). Aunque Scorsese no suele escribir mucho sus propias películas (coescribió Goodfellas y Casino), es un maestro que muestra lo talentoso que es a través de dramas criminales o el magnífico romance The Age of Innocence (1993).
¿Qué lo hace un autor, entonces?, El tema y el estilo son constantes a lo largo de sus películas y por lo general se centra más en los personajes masculinos, en un mundo de violencia donde los fuertes sobrevivirán. Para Scorsese, es la Ley de la selva (concreto)! Su puesta en escena se nota en cámara lenta (para aumentar un momento de coacción psicológica) y el uso de tomas de seguimiento largas como se ve en Taxi Driver y Goodfellas. Además, el uso de la música pop está constantemente presente en la mayoría de sus películas.
5., Todd Haynes
una de las cosas que Haynes ha hecho bien es poner la nueva ola del cine gay en una mejor luz durante un tiempo en Hollywood cuando la homosexualidad no se veía mucho en las películas. No todas las películas de Haynes son un gran éxito, pero su voz y estilo únicos son notables. Tiene la sensibilidad para capturar las luchas de la vida a través de su sencillo estilo de puesta en escena.
La historia de Safe (1995) se toma desde una distancia a través de un montón de desapego con su cámara siendo distante del personaje con rara vez ningún primer plano. Elementos de miedo y paranoia encarnan la película., La edición solo ayuda a crear esa sensación de miedo y eventual colapso. Velvet Goldmine (1998), sobre los días locos del glam rock en la década de 1970, se considera un paso en falso. Inspirado en el director Douglas Sirk (películas de la década de 1950 llenas de melodrama y colores exuberantes), escribe y dirige Far from Heaven (2002), que trata sobre la represión, un tema que se vuelve actual, y el uso de la paleta saturada de Technicolor también marca su estilo. I’m Not There (2007) es otra historia sobre figuras musicales., Recientemente, adaptó «Mildred Pierce» para HBO y su tema de represión y desconexión también están presentes. Algunos pueden argumentar que podría ser demasiado pronto para agregar Haynes a tal lista, pero definitivamente estoy vigilando su trabajo.
4. David O. Russell
Russell se está abriendo camino como autor. Su debut como director, Spanking The Monkey (1994), trata sobre las luchas familiares; un tema que se vuelve consistente en sus películas. El tono de sus películas está marcado con humor negro y comentarios sociales satíricos.,
en The Fighter (2010), la consistencia de sus temas se establece: con mensajes que la familia puede salvarte de problemas. La complejidad de los personajes y su trabajo ganan notoriedad. Sus personajes están divididos entre la familia, las opciones de carrera y los intereses amorosos. Sus siguientes obras apoyarán sus tendencias. Silver Linings Playbook (2012), una oscura comedia romántica que trata sobre el amor puede salvarte de una enfermedad mental, mientras que American Hustle (2013) muestra que si eres una persona honesta, no terminarás solo., Russell también obtiene notoriedad con su puesta en escena cuando la cámara se mueve hacia los personajes, lejos de los personajes e incluso circula alrededor de los personajes.
3. Woody Allen
¿Qué decir sobre uno de los más grandes colaboradores estadounidenses de hoy en día? Es uno de nuestros cineastas más influyentes, controvertidos y prolíficos. Dicho esto, sus temas exploran el significado de la vida y el amor con una marca de explicación sobre la muerte. También ha creado grandes roles para las mujeres., Su película más reciente, por ejemplo, Blue Jasmine (2013), le dio a Cate Blanchet un Oscar a la mejor interpretación en un papel principal.
El uso de subtítulos en Annie Hall (1977) y la pantalla dividida se convirtió en una firma instantánea de su estilo de dirección. El estilo negro de Manhattan (1979) le da una cualidad mágica al romance. Este genio también se ha convertido en uno de esos casos en los que la gente lo ama u odia. Y no está relacionado con su vida privada hecha pública. Es porque Allen solía actuar en sus películas y jugaba a personajes neuróticos que dibujaban esa línea muy claramente., Sin embargo, más recientemente, eligió trabajar solo detrás de la cámara y continuar escribiendo.
2. Christopher Nolan
Nolan ha mostrado una cantidad significativa de trabajo y se ha solidificado como escritor/director. No hay duda de que sus películas son definitivamente éxitos de taquilla de Hollywood. Lo que lo lleva a esta lista es que cuando se analiza su obra, su firma comienza a hacerse evidente, convirtiéndolo en un autor y reflejando el éxito comercial de sus películas.
sus personajes se sienten separados de su entorno, no parte de este mundo., Tal vez eso nos ayude a entender el hecho de que la mayoría de sus películas son en su mayoría adaptaciones de algún tipo. Estos personajes lidian con la duda de sí mismos y la ambigüedad moral. Sus temas son sobre el miedo, el sacrificio, el caos y el dolor con tonos oscuros y sombríos debido a problemas pesados. Por ejemplo, el Joker en el Caballero Oscuro es uno de los personajes más inquietantes e intrigantes de la pantalla grande.
1. Gus Van Sant
Gus es más conocido por el público en general como director, pero My Own Private Idaho es uno de los primeros y más atrevidos de sus guiones., Desde el principio de su carrera, estableció temas comunes como la creación de familias alternativas y viajes personales, amistades y relaciones mentor-estudiante. A pesar de que trabajó para el sistema de Estudios de Hollywood, está más influenciado por los cineastas europeos.
Good Will Hunting (1997), una exploración del alma del hombre, Finding Forrester (2000), explora la amistad entre un afroamericano aceptado en una importante escuela privada mientras se hacía amigo de un novelista, y Milk (2011), un hombre que lucha por los derechos civiles de la comunidad gay en la década de 1970., Estas películas tuvieron éxito comercial y Gus tuvo la oportunidad de mostrar al mundo su firma. También es conocido por ser un maestro colaborador, que puede sacar lo mejor de los actores con los personajes que retratan; también prefiere rodar sus películas principalmente en localizaciones en lugar de en sets.