Avec auteur filmmaking, nous regardons les œuvres des réalisateurs, leur vie et comment leurs films sont devenus. Nous regardons dans le passé pour analyser comment ces réalisateurs ont façonné leurs visions en un film cohérent. Ce faisant, nous sommes transportés à une époque où L’ère des studios hollywoodiens a créé certains des meilleurs réalisateurs jamais connus ainsi que certains des meilleurs films.
c’est également à cette époque que le terme « théorie de l’auteur” a été créé pour défendre la pureté et la transparence du style des cinéastes., En 1951, un groupe de critiques français fonde Les Cahiers du cinéma, une revue qui devient influente dans le monde du cinéma. Ils sont devenus si influents que, en 1954, L’un des auteurs du magazine, François Truffaut, a proposé l’idée simple qu’un réalisateur est l’auteur d’un film donné. Depuis lors, beaucoup de choses ont été discutées sur la « théorie de l’auteur., »Ils se sont concentrés sur le travail du réalisateur, généralement appelé la mise en scène (la composition de tout ce qui apparaît devant la caméra et ses arrangements, et la cinématographie), les thèmes et une tendance à privilégier les histoires psychologiques dans des contextes sociaux.
la théorie propose que même si le réalisateur a un directeur de la photographie, un scénographe et un monteur, ils collaborent tous avec le point de vue du réalisateur, qui est d’imprimer sa vision et son style sur le film.,
Si c’est ce qu’il faut pour faire du réalisateur l ‘ « auteur” de son œuvre, de la même manière qu’un auteur d’un roman, alors, tous les réalisateurs devraient être considérés comme des auteurs. Cependant, leur idée de L’Auteurisme était de faire une distinction entre les films et les films qui méritent une étude sérieuse, les rendant uniques par leur style et leur voix. Après tout, comme L’a déclaré Truffaut, » il n’y a pas de bons ou de mauvais films, seulement de bons et de mauvais réalisateurs., »
La théorie a abouti à la réévaluation de films et de réalisateurs tels Qu’Alfred Hitchcock, Howard Hawks, William Wyler, John Huston, Charles Chaplin, John Ford, pour n’en nommer que quelques-uns, à partir des années 1950 à L’époque des studios hollywoodiens.
Qu’en est-il maintenant? Que dire des cinéastes plus récents? La même théorie s’appliquer aujourd’hui? Si oui, les cinéastes d’auteur modernes seraient – ils plus isolés des festivals de cinéma et des cinémas d’art et d’essai, par exemple, ou parviendraient-ils également à réaliser des films dans le système des studios qui plairont également à un public plus large?,
Les directeurs suivants sont des noms qui sont apparus dans une conversation récente et occasionnelle. Nous avons tous deux convenu que, pour être considéré comme un auteur aujourd’hui, le réalisateur devrait également être impliqué dans le processus d’écriture. La première moitié de cette liste provient de cette conversation, et l’autre moitié est basée sur mon humble avis. Je ne vais pas vous offrir une analyse approfondie de leur travail ici, mais à quel point ils s’inscrivent dans cette théorie. Voici une liste de quelques administrateurs qui méritent une certaine reconnaissance comme auteur cinéastes de notre temps.
10., Paul Thomas Anderson
Permettez-moi de commencer par l’homme qui m’a fait penser à cette liste. Tant de choses ont déjà été dites, analysées et discutées sur son travail. Anderson a fait ses débuts de réalisateur au milieu des années 90. depuis lors, il a fait des films d’étude sérieuse. N’importe qui pourrait essayer de prétendre que ses films sont plus artistiques que commerciaux. Quoi qu’il en soit, son travail est si méticuleusement créé que les grands studios de cinéma sont prêts à le financer, car ils savent que le grand public regardera ses films, tandis que le public de niche appréciera toujours la profondeur de son contenu., Il est l’un des réalisateurs les plus respectés et les plus solidifiés que nous ayons maintenant. Sa plus grande inspiration a été le réalisateur hollywoodien Robert Altman, et ces deux ont travaillé ensemble sur le dernier film D’Altman, a Home Prairie Companion.
maintenant que M. Anderson est connu pour écrire ses propres films n’est probablement pas une surprise. Ce cinéaste habile sait écrire des personnages puissants avec intelligence et goût, et une tendance à privilégier les histoires psychologiques dans des contextes sociaux, similaire à un autre réalisateur hollywoodien William Wyler de L’ère B&W., Nous pouvons voir cette tendance dans des films tels que Magnolia, There Will Be Blood et The Master. Anderson est célèbre pour ses longs plans qui peuvent être remarqués dans presque tous les films (L’ouverture de Boogie Nights en est un bon exemple) et la complexité de la caractérisation. La bande son et la partition ont également un grand impact. Dans Magnolia, par exemple, lorsque la caméra commence à suivre des personnages se dirigeant vers l’émission de télévision, la partition accompagne le mouvement de la caméra et s’intensifie dans les moments dramatiques, ou joue discret en arrière-plan, presque imperceptible dans d’autres.
9., Wes Anderson
Wes Anderson crée son propre style visuel, donnant un regard mixte d’animation et de réalité, et des tendances narratives. Chaque film D’Anderson arbore un cadrage très original et une écriture de scénario remplie de bavardages. L’homme est un visionnaire. Son ton comique et son timing sont tranchants avec au moins un personnage dans chacun étant obsédé par son projet ou sa mission en cours. Son esthétique particulière peut être vue dans des films comme Moonrise Kingdom, The Royal Tenebaums, Rushmore et le fantastique M. Fox.,
dans son dernier film, The Grand Budapest Hotel, la colorisation ressemble à un beau livre de contes hypnotisant. Anderson tamponne sa signature avec une cinématographie bien répartie que certains ont tendance à appeler « coups difficiles.” Anderson a également ajouté sa signature pour créer des mondes imaginaires dans ses histoires. Moonrise Kingdom a lieu à” New Penzance » tandis que le Grand Hôtel est situé à la République de Zubrowka. Anderson semble rendre hommage aux films étrangers. Des réalisateurs européens viennent à L’esprit comme Godard, principalement à cause de la palette de couleurs qu’il choisit.,
8. Quentin Tarantino
Tarantino m’a toujours donné l’impression de promouvoir la violence gratuite. Je ne suggère pas que la violence devrait être justifiée pour se produire. J’ai été plus sous l’hypothèse que Tarantino était plus efficace dans l’écriture de scènes que d’histoires. Mettre mes sentiments de côté et regardons de plus près son travail…
tout d’Abord, l’homme crée remarquable, autonome caractères. Qui peut oublier des personnages mémorables comme ceux joués par Uma Thurman dans Kill Bill, ou Shoshana Dreyfus dans Inglorious Basterds?, Oui, Pulp Fiction a aussi de grands personnages! La complexité de la caractérisation, le motif et le style deviennent visibles et constants tout au long de ses films. Les Westerns, les Anime japonais et les Arts martiaux ont largement influencé Tarantino.
7. Terrence Malick
en 40 ans, Malick n’a réalisé que six films. Peut-être que cela peut expliquer pourquoi les gens ne sont peut-être pas si familiers avec lui. Il est connu pour être un réalisateur reclus et évite la presse comme le diable évite la Croix. Sa vie privée vient en premier., Indépendamment de sa décision, Malick a contribué à de grands films. J’ai été initié à son univers cinématographique avec The Thin Red Line (1998), et j’ai admiré son travail depuis lors. Les studios de cinéma gèrent les délais, mais Malick est connu pour « errer et expérimenter avec le film” et ne pas être si attentif à ces délais. Au fil du temps, le système moderne des studios hollywoodiens et Malick ont appris à gérer leurs différences.
Néanmoins, lorsque l’auteur de la théorie est appliquée à son travail cinématographique, il est un maître., Il préfère que la cinématographie soit de lumière naturelle à celle créée en studio. Il aime « l’heure magique » (lever ou coucher du soleil) pour tourner des scènes. Rétrospectivement, à travers Badlands, Days Of Heaven, The Thin Red Line et The New World, les sons de la nature ont fait une empreinte importante dans ses films. Les sons des oiseaux, des grillons et d’autres animaux divers sont presque constants et représentent le lien de l’homme avec la nature. Et, l’une de ses plus grandes signatures tout au long de ses films est certainement l’utilisation répandue de la voix off. Un portail de scénarisation avancé qu’il a lentement abusé au fil du temps.,
6. Martin Scorsese
« tu me parles? »Scorsese a invité le public de L’autre côté de New York. Taxi Driver (1976) est un hommage thématique à The Searchers (1956) de John Ford, qui marque le début de personnages qui sont des marginaux sociaux (protagonistes en tant qu’antagonistes). Bien que Scorsese n’ait pas tendance à écrire ses propres films (il a coécrit Goodfellas et Casino), il est un maître montrant à quel point il est doué à travers des drames criminels ou la superbe romance, L’Âge de L’Innocence (1993).
Qu’est-ce qui fait de lui un auteur, alors?, Le thème et le style sont constants tout au long de ses films et il se concentre généralement davantage sur les personnages masculins, dans un monde de violence où les plus forts survivront. Pour Scorsese, c’est la loi de la jungle (concrète)! Sa mise en scène est remarquée au ralenti (pour accentuer un moment de contrainte psychologique) et à l’utilisation de longs plans de suivi comme on le voit dans Taxi Driver et Goodfellas. De plus, l’utilisation de la musique pop est constamment présente dans la plupart de ses films.
5., Todd Haynes
L’une des choses que Haynes a bien faites est de mettre la nouvelle vague du cinéma gay sous un meilleur jour à une époque à Hollywood où L’homosexualité n’était pas beaucoup vue dans les films. Tous les films de Haynes ne sont pas un grand succès, mais sa voix et son style uniques sont perceptibles. Il a la sensibilité de capturer les luttes de la vie à travers son style simple de mise en scène.
L’histoire de Safe (1995) est tournée à distance avec beaucoup de détachement, sa caméra étant éloignée du personnage avec rarement des Gros plans. Des éléments de peur et de paranoïa incarnent le film., L’édition ne fait que créer ce sentiment de peur et de panne éventuelle. Velvet Goldmine (1998), sur les jours fous du glam rock dans les années 1970, est considéré comme un faux pas. Inspiré par le réalisateur Douglas Sirk (films des années 1950 remplis de mélodrame et de couleurs luxuriantes), il écrit et réalise Far from Heaven (2002), qui traite de la répression, un thème qui devient actuel, et l’utilisation de la palette saturée de Technicolor marque ici aussi son style. I’m Not There (2007) est une autre histoire de figures musicales., Récemment, il a adapté « Mildred Pierce » pour HBO et son thème de la répression et de la déconnexion sont également présents. Certains diront qu’il est peut-être trop tôt pour ajouter Haynes à une telle liste, mais je garde certainement un œil sur son travail.
4. David O. Russell
Russell fait son chemin en tant qu’auteur. Son premier film, Spanking the Monkey (1994), traite des luttes familiales; un thème qui devient cohérent dans ses films. Le ton de ses films est marqué par l’humour noir et le Commentaire social satirique.,
dans The Fighter (2010), la cohérence de ses thèmes s’établit: avec des messages que la famille peut vous sauver des problèmes. La complexité des personnages et son travail gagnent en notoriété. Ses personnages sont tiraillés entre famille, choix de carrière et Intérêts amoureux. Ses travaux suivants soutiendront ses tendances. Silver Linings Playbook (2012), une comédie romantique sombre qui traite de l’amour peut vous sauver de la maladie mentale, tandis que American Hustle (2013) montre que si vous êtes une personne honnête, vous ne finirez pas seul., Russell obtient également la notoriété avec sa mise en scène lorsque la caméra se déplace vers des personnages, loin des personnages et même des cercles autour des personnages.
3. Woody Allen
Que dire de l’un des plus grands collaborateurs Américains de nos jours? Il est l’un de nos cinéastes les plus influents, controversés et prolifiques. Cela dit, ses thèmes explorent le sens de la vie et de l’amour avec une marque d’explication sur la mort. Il a également créé de grands rôles pour les femmes., Son plus récent film, par exemple, Blue Jasmine (2013), a valu à Cate Blanchet l’Oscar de la meilleure interprétation dans un rôle principal.
L’utilisation de sous-titres dans Annie Hall (1977) et de split screen est devenue une signature instantanée à son style de réalisation. Le style noir de Manhattan (1979) donne une qualité magique à la romance. Ce génie est également devenu l’un de ces cas où les gens l’aiment ou le détestent. Et ce n’est pas lié à sa vie privée rendue publique. C’est parce Qu’Allen jouait dans ses films et jouait des personnages névrotiques qui dessinaient très clairement cette ligne., Cependant, plus récemment, il a choisi de travailler uniquement derrière la caméra et de continuer à écrire.
2. Christopher Nolan
Nolan a montré une quantité importante de travail et s’est solidifié en tant que scénariste/réalisateur. Il ne fait aucun doute que ses films sont définitivement des superproductions hollywoodiennes. Ce qui l’amène à cette liste, c’est que lorsque son travail est analysé, sa signature commence à devenir évidente, faisant de lui un auteur et reflétant le succès commercial de ses films.
ses personnages se sentent détachés de leur environnement, ne font pas partie de ce monde., Peut-être que cela nous aide à comprendre le fait que la plupart de ses films sont pour la plupart des adaptations d’une sorte. Ces personnages traitent du doute de soi et de l’ambiguïté morale. Ses thèmes sont sur la peur, le sacrifice, le chaos et la douleur avec des tons sombres et sombres en raison de problèmes lourds. Par exemple, le Joker dans The Dark Knight est l’un des personnages les plus dérangeants et intrigants du grand écran.
1. Gus Van Sant
Gus est plus connu du grand public en tant que réalisateur, mais My Own Private Idaho est l’un des premiers et des plus audacieux de ses scénarios., Dès le début de sa carrière, il a établi des thèmes communs tels que la création de familles alternatives et de voyages personnels, les amitiés et les relations mentor-étudiant. Même s’il a travaillé pour le système des studios hollywoodiens, il est le plus influencé par les cinéastes européens.
Good Will Hunting (1997), une exploration de l’âme de L’homme, Finding Forrester (2000), explore l’amitié entre un Afro-Américain accepté dans une école privée importante alors qu’il se liait d’amitié avec un romancier, et Milk (2011), un homme luttant pour les droits civiques de la communauté gay dans les années 1970., Ces films ont connu un succès commercial et Gus a eu l’occasion de montrer au monde sa signature. Il est également connu pour être un maître collaborateur, qui peut tirer le meilleur parti des acteurs avec les personnages qu’ils incarnent; il préfère également tourner ses films principalement sur place plutôt que sur les plateaux.