Met auteur filmmaken kijken we naar de werken van regisseurs, hun leven en hoe hun films tot stand kwamen. We kijken terug naar het verleden om te analyseren hoe deze regisseurs hun visies vormden tot een samenhangende film. Daarbij worden we teruggestuurd naar een tijd waarin de Hollywood studio Tijdperk creëerde een aantal van de beste filmregisseurs ooit gekend samen met een aantal van de beste films.het was ook in deze periode dat de term “auteur theory” werd gecreëerd om de zuiverheid en transparantie van de stijl van filmmakers te verdedigen., In 1951 richtte een groep Franse critici Cahiers du Cinema (Notebooks on Cinema) op, een tijdschrift dat invloedrijk werd in de filmwereld. Ze werden zo invloedrijk dat in 1954 een van de tijdschriftschrijvers, Francois Truffaut, het eenvoudige idee voorstelde dat een regisseur de auteur is van een bepaalde film. Sindsdien is er veel besproken over de auteur-theorie.,”Ze richtten zich op het werk van de regisseur, meestal aangeduid als de mise-en-scene (de compositie van alles wat voor de camera verschijnt en de arrangementen, en cinematografie), thema’ s en een neiging om psychologische verhalen in sociale settings te bevoordelen.de theorie suggereert dat, hoewel de regisseur een cinematograaf, een decorontwerper en een redacteur heeft, ze allemaal samenwerken met het standpunt van de regisseur, namelijk om zijn visie en stijl op de film te stempelen.,
als dat nodig is om van de regisseur de “auteur” van zijn of haar werk te maken, net als van een auteur van een roman, dan moeten alle regisseurs als auteurs worden beschouwd. Echter, hun idee van Auteurisme was om een onderscheid te maken tussen films en de films die serieus onderzoek waard zijn, waardoor ze uniek in stijl en stem. Immers, zoals Truffaut verklaarde, “Er zijn geen goede of slechte films, alleen goede en slechte regisseurs.,de theorie resulteerde in de herevaluatie van films en regisseurs zoals Alfred Hitchcock, Howard Hawks, William Wyler, John Huston, Charles Chaplin, John Ford, om er maar een paar te noemen, vanaf de jaren 1950 tijdens het Hollywood studio-Tijdperk.
hoe zit het nu? Wat te zeggen over de meer recente filmmakers? Kan dezelfde theorie vandaag worden toegepast? Zo ja, zouden de hedendaagse auteur filmmakers zich meer afzonderen van bijvoorbeeld filmfestivals en arthouse bioscopen, of kunnen ze er ook in slagen om films te maken binnen het studiosysteem die ook een breder publiek zullen aanspreken?,
de volgende regisseurs zijn Namen die naar voren kwamen in een recent, informeel gesprek. We waren het er beiden over eens dat, om vandaag als auteur te worden beschouwd, de directeur ook bij het schrijfproces moet worden betrokken. De eerste helft van deze lijst komt uit dit gesprek en de andere helft is gebaseerd op mijn bescheiden mening. Ik ga je geen diepgaande analyse geven van hun werk hier, maar hoe ze in deze theorie passen. Hier is een lijst van een paar regisseurs die enige erkenning verdienen als auteur filmmakers van onze tijd.
10., Paul Thomas Anderson
laat me beginnen met de man die me aan het denken zette over deze lijst. Er is al zoveel gezegd, geanalyseerd en besproken over zijn werk. Anderson had zijn regiedebuut in het midden van de jaren 90. sindsdien heeft hij films van serieuze studie gemaakt. Iedereen zou kunnen beweren dat zijn films meer artistiek dan commercieel zijn. Hoe dan ook, zijn werk is zo zorgvuldig gemaakt dat de grote filmstudio ‘ s bereid zijn om hem te financieren, omdat ze weten dat het algemene publiek zal kijken naar zijn films, terwijl de niche publiek zal nog steeds genieten van de diepgang van zijn inhoud., Hij is een van de meest gerespecteerde en solide bestuurders die we nu hebben. Zijn grootste inspiratie was Hollywood-regisseur Robert Altman, en deze twee werkten samen aan Altman ‘ s laatste film, A Home Prairie Companion.
nu Mr. Anderson bekend staat om het schrijven van zijn eigen films komt het waarschijnlijk niet als een verrassing. Deze Bekwame filmmaker Weet krachtige personages te schrijven met intelligentie en smaak, en een neiging om psychologische verhalen in sociale settings te bevoordelen, vergelijkbaar met een andere Hollywood-regisseur William Wyler uit het b&W-Tijdperk., We kunnen deze tendens zien in films zoals Magnolia, er zal bloed zijn, en de meester. Anderson is beroemd om lange opnamen die in bijna elke film kunnen worden opgemerkt (de opening van Boogie Nights is een goed voorbeeld) en de complexiteit van karakterisering. De soundtrack en score hebben ook een grote impact. In Magnolia, bijvoorbeeld, wanneer de camera personages begint te volgen die naar de tv-show gaan, begeleidt de partituur de beweging van de camera en intensiveert in dramatische momenten, of speelt low key op de achtergrond, bijna onmerkbaar in anderen.
9., Wes Anderson creëert zijn eigen visuele stijl, met een gemengde blik van animatie en realiteit, en narratieve tendensen. Elke Anderson film sport zeer originele framing en chatter gevuld scenarioschrijven. De man is een visionair. Zijn komische toon en timing zijn scherp met ten minste één personage in elk wezen geobsedeerd door hun huidige project of missie. Zijn bijzondere esthetiek is te zien in films als Moonrise Kingdom, The Royal Tenebaums, Rushmore en The Fantastic Mr.Fox.,in zijn laatste film, The Grand Budapest Hotel, voelt de kleuring aan als een prachtig verhalenboek dat hypnotiseert. Anderson stempels zijn handtekening met goed dollied cinematografie die sommigen de neiging om te noemen “uitdagende schoten.”Anderson heeft ook zijn handtekening toegevoegd om imaginaire werelden te creëren in zijn verhalen. Moonrise Kingdom vindt plaats in “New Penzance”, terwijl het Grand Hotel is gelegen aan de Republiek Zubrowka. Anderson lijkt hulde te brengen aan buitenlandse films. Europese regisseurs als Godard komen voor de geest, vooral vanwege het kleurenpalet dat hij kiest.,
8. Quentin Tarantino heeft me altijd de indruk gegeven dat hij zinloos geweld promoot. Ik suggereer niet dat geweld gerechtvaardigd moet zijn om te gebeuren. Ik ben meer in de veronderstelling dat Tarantino was efficiënter in het schrijven van scènes dan verhalen. Als je mijn gevoelens opzij zet, en zijn werk nader bekijkt …
ten eerste creëert de man opmerkelijke, op zichzelf staande personages. Wie kan onvergetelijke personages zoals die gespeeld door Uma Thurman in Kill Bill, of Shoshana Dreyfus in roemloze Basterds vergeten?, Ja, Pulp Fiction heeft ook geweldige personages! De complexiteit van karakterisering, het motief en de stijl worden zichtbaar en constant in zijn films. Westerns, Japanse Anime en krijgskunsten hebben Tarantino grotendeels beïnvloed.
7. Terrence Malick
in de periode van 40 jaar heeft Malick slechts zes films geregisseerd. Misschien verklaart dat waarom mensen niet zo vertrouwd zijn met hem. Hij staat bekend als een teruggetrokken regisseur en vermijdt de pers zoals de duivel het kruis vermijdt. Zijn privéleven komt op de eerste plaats., Ongeacht zijn beslissing, Malick heeft bijgedragen aan een aantal geweldige films. Ik werd voor het eerst geïntroduceerd in zijn filmwereld met The Thin Red Line (1998), en heb sindsdien zijn werk bewonderd. Filmstudio ‘ s behandelen deadlines, maar Malick staat bekend om “zwerven en experimenteren met film” en niet zo attent van deze deadlines. Na verloop van tijd, het moderne Hollywood studio systeem en Malick hebben geleerd hoe om te gaan met hun verschillen.
echter, wanneer de auteur theorie wordt toegepast op zijn filmische werk, hij is een meester., Hij geeft de voorkeur aan de cinematografie van natuurlijk licht boven die gemaakt in een studio. Hij houdt van het “magische uur” (zonsopgang of zonsondergang) om scènes te schieten. Terugkijkend, in Badlands, Days of Heaven, The Thin Red Line en The New World, hebben de geluiden van de natuur een prominente voetafdruk gemaakt in zijn films. De geluiden van vogels, krekels en andere verschillende dieren zijn bijna constant en vertegenwoordigen de verbinding van de mens met de natuur. En, een van zijn grootste handtekeningen in zijn films is zeker het gebruik van voice-over. Een geavanceerd scenarioschrijfportaal dat hij langzaam heeft misbruikt in de loop van de tijd.,
6. Martin Scorsese
” You talking to me?”Scorsese heeft publiek uitgenodigd aan de andere kant van New York City. Taxi Driver (1976) is een thematische hommage aan John Ford ‘ S The Searchers (1956), die het begin markeert van personages die sociale misfits zijn (protagonisten als antagonisten). Hoewel Scorsese niet de neiging om zijn eigen films te schrijven dat veel (hij co-schreef Goodfellas en Casino), Hij is een meester te laten zien hoe begaafd hij is door middel van misdaad drama ‘ s of de prachtige romance, The Age of Innocence (1993).
wat maakt hem dan een auteur?, Het thema en de stijl zijn constant in zijn films en hij is meestal meer gericht op mannelijke personages, in een wereld van geweld waar de sterken zullen overleven. Voor Scorsese is het de wet van de (concrete) jungle! Zijn mise-en-scene wordt opgemerkt in slow motion (om een moment van psychologische dwang te verhogen) en het gebruik van lange tracking shots zoals te zien bij taxichauffeur en Goodfellas. Daarnaast is het gebruik van popmuziek constant aanwezig in de meeste van zijn films.
5., Todd Haynes een van de dingen die Haynes goed heeft gedaan is om de nieuwe golf van gay cinema in een beter licht te zetten in een tijd in Hollywood toen homoseksualiteit niet veel in films werd gezien. Niet elke Haynes film is een grote hit, maar zijn unieke stem en stijl zijn merkbaar. Hij heeft de gevoeligheid om de strijd van het leven vast te leggen door middel van zijn eenvoudige stijl van mise-en-scene.the story of Safe (1995) is opgenomen van een afstand door veel onthechting met zijn camera ver van het personage met zelden close-ups. Elementen van angst en paranoia belichamen de film., Het bewerken helpt alleen maar om dat gevoel van angst en eventuele ineenstorting te creëren. Velvet Goldmine (1998), over de gekke dagen van glam rock in de jaren 1970, wordt beschouwd als een misstap. Geïnspireerd door regisseur Douglas Sirk (jaren 1950 films gevuld met melodrama en weelderige kleuren), schrijft en regisseert hij Far from Heaven (2002), die zich bezighoudt met repressie, een thema dat Actueel wordt, en het gebruik van het verzadigde Technicolor palet hier markeert zijn stijl ook. I ‘ m Not There (2007) is een ander verhaal over muzikale figuren., Onlangs bewerkte hij “Mildred Pierce” voor HBO en zijn thema van onderdrukking en ontkoppeling zijn ook aanwezig. Sommigen zullen beweren dat het misschien te vroeg is om Haynes toe te voegen aan zo ‘ n lijst, maar ik hou zeker een oogje op zijn werk.
4. David O. Russell werkt zich op als auteur. Zijn regiedebuut, Spanking The Monkey (1994), gaat over familiestrijd; een thema dat consistent wordt in zijn films. De toon van zijn films is gemarkeerd met donkere humor en satirische sociale commentaar.,
In The Fighter (2010), de consistentie van zijn thema ‘ s wordt vastgesteld: met berichten die familie kan u redden van problemen. De complexiteit van personages en zijn werk krijgen bekendheid. Zijn personages worden verscheurd tussen familie, carrièrekeuzes en liefdesinteresses. Zijn volgende werken zullen zijn neigingen ondersteunen. Silver Linings Playbook (2012), een donkere romantische komedie die zich bezighoudt met liefde kan je redden van psychische aandoeningen, terwijl American Hustle (2013) laat zien dat als je een eerlijk persoon, je zal niet alleen eindigen., Russell krijgt ook bekendheid met zijn mise-en-scene wanneer de camera beweegt in de richting van personages, weg van personages en zelfs cirkels rond personages.
3. Woody Allen
wat te zeggen over een van de grootste Amerikaanse collaborateurs tegenwoordig? Hij is een van onze meest invloedrijke, controversiële en productieve filmmakers. Dat gezegd hebbende, zijn thema ‘ s verkennen de Betekenis van het leven en de liefde met een verklaring teken op de dood. Hij heeft ook grote rollen voor vrouwen gecreëerd., Zijn meest recente film, bijvoorbeeld, Blue Jasmine (2013), gaf Cate Blanchet een Oscar voor beste prestaties in een hoofdrol.
het gebruik van ondertitels in Annie Hall (1977) en split screen werd een directe signatuur van zijn regisseerstijl. De noir stijl van Manhattan (1979) geeft een magische kwaliteit aan de romantiek. Dit genie is ook een van die gevallen geworden waar mensen van hem houden of hem haten. En het heeft niets te maken met zijn privéleven dat openbaar is gemaakt. Het is omdat Allen vroeger acteerde in zijn films en neurotische personages speelde die die lijn heel duidelijk trok., Echter, meer recent koos hij ervoor om alleen achter de camera te werken en verder te schrijven.
2. Christopher Nolan heeft een aanzienlijke hoeveelheid werk getoond en heeft zichzelf geconsolideerd als schrijver/regisseur. Er is geen twijfel dat zijn films zijn zeker Hollywood blockbusters. Wat hem op deze lijst brengt is dat wanneer zijn werk wordt geanalyseerd, zijn handtekening duidelijk begint te worden, waardoor hij een auteur is en het commerciële succes van zijn films weerspiegelt.
zijn personages voelen zich onthecht van hun omgeving, geen deel van deze wereld., Misschien helpt dat ons begrijpen dat de meeste van zijn films zijn meestal aanpassingen van een soort. Deze personages gaan over zelftwijfel en morele dubbelzinnigheid. Zijn thema ‘ s gaan over angst, opoffering, chaos en pijn met donkere en sombere tonen als gevolg van zware issues. Bijvoorbeeld, de Joker in the Dark Knight is een van de meest verontrustende en intrigerende personages op het grote scherm.
1. Gus Van Sant is meer bekend bij het grote publiek als regisseur, maar My Own Private Idaho is een van de eerdere en meer gedurfde van zijn scenario ‘ s., Vanaf het begin van zijn carrière stelde hij gemeenschappelijke thema ‘ s vast zoals het creëren van alternatieve families en persoonlijke reizen, vriendschappen en mentor-student relaties. Hoewel hij werkte voor de Hollywood studio system, hij is het meest beïnvloed door Europese filmmakers.Good Will Hunting (1997), an exploration of man ‘ s soul, Finding Forrester (2000), verkent de vriendschap tussen een Afro-Amerikaan die werd toegelaten tot een belangrijke Privéschool terwijl hij bevriend raakte met een romanschrijver, en Milk (2011), een man die vecht voor burgerrechten voor de homogemeenschap in de jaren 1970., Deze films waren commercieel succesvol en Gus had de kans om de wereld zijn handtekening te laten zien. Hij staat ook bekend als een master collaborator, die het beste uit acteurs kan halen met de personages die ze portretteren; hij geeft ook de voorkeur aan zijn films voornamelijk op locatie in plaats van op sets.