Das Objekt in Tate Modern ist weiß und glänzend, in Porzellan gegossen, sein schlanker oberer Teil wölbt sich nach außen, während es zu einer Empfangsschale hinabsteigt – in die ich uriniere. Es ist nur ein kurzer Spaziergang von hier im fünften Stock Männer loo Marcel Duchamp Brunnen Marcel, ein Objekt in einer Kunststoff-Vitrine auf einem Sockel versiegelt, die dennoch fast identisch mit dem Behälter ist, in die ich gerade gepisst. Dieser Museumsschatz ist nicht mehr oder weniger, als Duchamp ihn seiner Schwester in einem Brief vom Frühjahr 1917 beschrieb: une pissotière en porcelaine., Duchamp warnte vor einer Haltung der „ästhetischen Delektation“, die sein Urinal in etwas Künstlerisches verwandeln würde. Doch als visuelle Form ist es bizarr schön, so weiß und unpassend ätherisch und wie Kunst es ist … nun, es gibt eine Frage, die mich schon stolpert. Ist es Kunst?
Die bedeutenden New Yorker, die die American Society of Independent Artists leiteten, entschieden im April 1917, dass es nicht so war., Die Unabhängigen beglückwünschten sich dazu, sich für alles einzusetzen, was neu und fortschrittlich in der Kunst war, und um die Offenheit für das Neue zu gewährleisten, stimmten sie der Idee eines ihrer Direktoren, Duchamp selbst, zu, dass jeder, der eine Gebühr von 6 US-Dollar bezahlte, in der Lage sein sollte, in ihrer Eröffnungsausstellung zu zeigen. Das bedeutete, dass es technisch gesehen keinen Grund gab, den mysteriösen R Mutt Last-Minute – Eintrag eines Mannes urinal berechtigt Brunnen zu verweigern-denn er hatte seine Gebühr bezahlt. Eine Dringlichkeitssitzung lehnte sie dennoch ab.,
Im nächsten Monat verteidigte eine kleine Zeitschrift namens The Blind Man, die von Duchamp mitherausgegeben wurde, den Brunnen von Herrn Mutt: „Ob Herr Mutt mit seinen eigenen Händen den Brunnen gemacht hat oder nicht, hat keine Bedeutung. Er WÄHLTE es. Er nahm einen gewöhnlichen Artikel des Lebens, platzierte ihn so, dass seine nützliche Bedeutung unter dem neuen Titel und Standpunkt verschwand – und schuf einen neuen Gedanken für dieses Objekt.“
Diese Worte klingen heute genauso aufregend, provokativ, philosophisch wie im frühen 20., Ein großer Teil der Kunst des 21. Jahrhunderts geht auf diese Worte zurück, die pissotière. Das Editorial in The Blind Man – dessen Urheberschaft Duchamp nie offiziell anerkannte, mehr als er offiziell besaß, bis er R Mutt war – ist tatsächlich wichtiger als das Urinal selbst, Das war nicht sein erstes „readymade“ Kunstwerk. Vielmehr erlaubte es ihm, eine Idee explizit zu machen, die bis dahin nur ein privates Nachdenken war. Wie kam er auf eine solche Idee?
Dies scheint mir die Frage zu sein, die niemand nach Duchamp stellt., Seine große Idee – dass jedes gewöhnliche „fertige“ Objekt vom Künstler als Kunstwerk ausgewählt werden kann – ist so tief in die moderne Kultur versunken, dass er fast als biblischer Prophet, eine entfernte Autorität, vorgestellt wird. Es ist, als ob zeitgenössische Kunstgeschichte mit ihm beginnt. Kunst ist durchdrungen von Tradition – heute gibt es eine Tradition des Readymade – und um ein Gemälde, einen Film, ein Foto zu machen, müssen Sie wissen, dass Sie zu einer Form beitragen, die von Vorgängern geformt und definiert wurde. Selbst der radikalste Film ist ein Film. Aber Duchamp tat etwas, für das es keinen Präzedenzfall gab., Liebe oder hasse die Kunst, die ihn als Vorfahren behauptet, Sie können die Originalität des Gedankens selbst nicht leugnen, was ich vermute, war alles, was Duchamp zählte. Das Readymade war ein neues Konzept der Kunst und nicht nur eine geniale und müßige Art, es zu machen. Kein Wunder, dass die meisten ernsthaften Diskussionen neigen dazu, es Philosophie zu assimilieren, von Richard Wollheims berühmten 1965 Essay, der das Urinal als Paradigma der“Minimal Art „zu neueren Überlegungen über Duchamp und Kant Ästhetik nahm. Aber ich denke, wir müssen uns an das einfache Problem halten: Wie hatte jemand jemals eine so wilde Idee?,
Mit Tate Modern im Begriff, eine Ausstellung über Duchamp und seine Freundschaften mit dem brillanten Playboy-Maler Francis Picabia und dem subversiven Fotografen Man Ray zu eröffnen, versuchen wir uns eine Zeit vorzustellen, in der niemand davon träumte, Kunst von Handarbeit zu trennen.
Duchamp wuchs mit Kunst. Er wurde 1887 als jüngster Sohn eines wohlhabenden Notars in Blainville in der Normandie geboren. Duchamps Großvater hatte ein Künstler gewesen, auch als er im Geschäft florierte; es gab Kunst in der Familie und, sowie Marcel, zwei seiner Brüder und eine seiner Schwestern setzen ihre Herzen auf Künstler zu werden., Sein Bruder Gaston war ein Maler, der den Namen Jacques Villon als Hommage an den Dichter Villon annahm; Ein anderer Bruder war Raymond Duchamp-Villon, der wichtige kubistische Bildhauer; Seine Schwester Suzanne kämpfte auch darum, Maler zu werden.
Die frühen Gemälde des jungen Marcel waren vielversprechend, gewöhnlich genug, um feindlichen Kritikern Munition zu geben, die ihn als den ursprünglichen konzeptualistischen Betrug darstellen, Ein Mann, der es nicht allein auf Talent hacken konnte, entdeckte ein Keuchen, um“Talent“unkompliziert erscheinen zu lassen., Doch so große Maler wie Piet Mondrian und Kasimir Malewitsch hatten ebenso schwache Starts. Wie sie zeichnete sich Duchamp schließlich als Maler aus, und es war seine Darstellung eines Körpers als flatternder Mechanismus, der ihn in Amerika berühmt machte, als er 1913 in der Armory Show gezeigt wurde, die die moderne Kunst in New York populär machte.
Duchamp ließ sich 1906 in Paris nieder, als jahrzehntelange mutige Experimente französischer Künstler die Moderne entzünden wollten., Es war das Jahr, in dem Cézanne starb, das Jahr, in dem Picasso sein Porträt von Gertrude Stein mit einer geschnitzten Holzmaske für ein Gesicht beendete. Duchamp – sechs Jahre jünger als Picasso-war Teil der Generation, die von dieser Revolution beeinflusst und inspiriert wurde. Seine beiden älteren Brüder lebten in einem Vorort von Paris, der der Puteaux-Gruppe, dem kleinen Flügel der kubistischen Bewegung, ihren Namen gab.
Picasso und Georges Braque, die Begründer des Kubismus, lernten die Idee des Malens mit jeder neuen Leinwand neu., Ihre kubistischen Gemälde sind bis heute nicht zusammenzufassen oder zu erklären. Die Puteaux-Kubisten hingegen verwendeten Scherben und Ebenen fragmentierter Farbe, um das Drama des modernen Lebens auf leicht zu entschlüsselnde Weise zu vermitteln. Jean Metzinger 1913 Malerei Der Radfahrer, zum Beispiel, klar und ikonisch porträtiert einen Radfahrer gebeugt nach vorne auf seinem Rennrad., Es ist ein Fest der modernen Welt, der sauberen Technologie des Fahrrades, und weist sofort auf die Ideen, die in Duchamps Geist waren,als er sein erstes „readymade“ Kunstwerk geträumt-ein Speichenrad in einer Metallgabel auf dem Sitz eines Holzhockers befestigt aufgehängt. Es könnte das Auge eines Zyklopen sein, oder ein astronomisches Modell, oder eine bizarre Evokation eines Aktes. Sie können“t umhin zu denken, es bedeutet etwas, aber die interpretation ist umsonst. Es ist nur. Es steht einfach da in seiner unbeschwerten, liebenswerten Herrlichkeit.,
Fahrradrad wurde später von Duchamp als seine erste „readymade“ erkannt, obwohl er noch nicht mit dem Begriff kommen oder die Idee abgeschlossen. Er dachte auch nicht daran, das Stück zu zeigen. Er mochte es einfach, es in seinem Studio zu haben: „Das Rad drehen zu lassen, war sehr beruhigend, sehr beruhigend, eine Art Öffnung von Alleen auf andere Dinge als das materielle Leben eines jeden Tages … Ich habe es genossen, es anzusehen, genauso wie ich es genieße, die Flammen in einem Kamin tanzen zu sehen.“
Dieses Spielzeug war ein Schritt in intellektuelle Bereiche, die noch niemand betreten hatte., Und doch ist es so charmant seiner Zeit, wie Metzinger in seiner kubistischen Malerei lobt. Die langen dünnen Speichen und die unbeugsame Halterung des Fahrradrades erinnern anschaulich an das Paris von 1913: Schauen Sie in diese Speichen und es ist nicht schwer, sich die eisernen Gitter des Eiffelturms vorzustellen. Eine anmutige Moderne, optimistisch und jung, ist auf diesem Stuhl ausgeglichen. Und was ist mit dem Stuhl selbst? Vielleicht denken Sie sogar an Van Goghs Gemälde seines Holzstuhls. Vielleicht ist der Weg von Van Goghs Studio zu Duchamp ist nicht so weit.,
Die Idee des Readymade scheint etwas mit der Idee des Studios als utopischer Zufluchtsort vor der Workaday-Welt zu tun zu haben. Jahrhunderts war diese Idee des Studios grundlegend für die neue Lebensweise der Avantgarde. Sie können es in Cézannes frühen Malerei Den Ofen im Studio sehen, und lesen Sie es in Zola Roman Das Meisterwerk – dieses Gefühl des Studios als Versteck, wo der Künstler frei ist, nicht-bürgerliche Gewohnheiten und Träume zu erkunden., Picassos Atelier im Ramshackle Bateau-Lavoir war eine Werkstatt kubistischer Experimente: Fotografien von Picasso und anderen Künstlern dieser Zeit in ihren Ateliers, umgeben von afrikanischen Masken und ihren ungehemmten Gemälden, zeigen magische Welten.
Im Studio trugen Sex, Trinken und Drogen zu einem halluzinatorischen Fokus auf gewöhnliche Dinge bei, die plötzlich faszinierend schienen. Duchamps Entdeckung des readymade ist tief in der kubistischen Besessenheit mit realen verwurzelt, greifbar, feste Dinge, die nahe bei der Hand sind., Picasso und Braque entdeckten eines der ältesten und bescheidensten Malgenres wieder: das Stillleben. In einem kubistischen Meisterwerk wie Picassos Absinthglas, Flasche, Pfeife und Musikinstrumente auf einem Klavier (1910-11), ist es die unmittelbare Welt der Objekte, die gebrochen und zerbrochen und angespannt ist.
Eigentlich war es Picasso, der zuerst gefundene Objekte in der Kunst verwendete. Im Jahr 1912 steckte er ein Stück Öltuch mit einem gedruckten Design, das einen Caned Chair-Seat imitierte, auf eine kubistische Leinwand. Stillleben mit Stuhl Caning gab ihm und Braque eine neue Waffe in ihrem Kampf, der Kunst die Kraft der Realität zu geben., Duchamps Fahrradrad ist ein kubistisches Meisterwerk, rivalisierenden die Komplexität und Widerstand von Picasso und Braque Kunst. Es gehört erkennbar zum Paris dieser Zeit, was noch mehr für Duchamps Flaschentrockner (oder Flaschenregal) gilt – ein stacheliger Metallturm, der in Frankreich häufig zum Trocknen gebrauchter Weinflaschen verwendet wird.
Dennoch nannte Duchamp diese Objekte, die er in seinem Pariser Atelier hatte, erst später als „Readymades“. Er zeigte sie auch nicht als „Kunst“. Das „Readymade“, ein Wort, das er nur in seiner zweiten Sprache, Englisch, verwendete, entstand, als er den Sprung von einer Kultur zur anderen machte., Es ist eine Idee, die in der Übersetzung gefunden wird.
1915 segelte Duchamp nach New York. Er fühlte sich sofort von Amerika befreit. „Für einen Franzosen, der an Klassenunterschiede gewöhnt war, hatte man das Gefühl, was eine echte Demokratie sein könnte“, sagte er später. Das Erlernen einer neuen Sprache machte seinen Geist völlig frei von allen Einflüssen, um eine einfache, entspannte Revolution zu erreichen, die mit nichts in der Kunst des Kubismus in Verbindung steht.,
Im Januar 1916 schrieb er an seine Schwester Suzanne und bat sie, das, was er heute als zwei wichtige Werke in Paris betrachtete, zu bewahren: „Wenn Sie nun zu mir nach oben gingen, sahen Sie in meinem Atelier ein Fahrradrad und einen Flaschenhalter. Ich hatte dies als Skulptur bereits gekauft. Und ich habe eine Idee zu diesem und dem Flaschenregal: Hör zu. Hier in NY habe ich einige Objekte in der gleichen Richtung gekauft und behandle sie als „readymade“. Sie kennen Englisch gut genug, um das Gefühl von „Readymade“ zu verstehen, das ich diesen Objekten gegeben habe …,“
1915 sah er einen Haufen Schneeschaufeln mit großen quadratischen Stahlschaufeln in einem Geschäft für den New Yorker Winter aufgereiht. Er kaufte einen und hängte ihn an die Decke seines Studios. Es wurde „Vor dem gebrochenen Arm, von Marcel Duchamp, 1915“ eingeschrieben. Diese Signatur war eine Art, über das Readymade als Kunst nachzudenken – es war nicht von, sondern „von“ dem Künstler. Das Objekt-das existiert, wie die meisten von Duchamps lange verlorenen readymades, nur in Replik – ist bedrohlich, mit seinen scharfen Metallkanten und Titel prophezeit Verletzungen. Es ist so unangenehm wie das Fahrradrad sympathisch ist., Vielleicht ist das die Kunst davon – diese unbestreitbare Atmosphäre.
Eine Stacheligkeit des Gefühls klammert sich ähnlich an den Stahlkamm, den Duchamp im Februar 1916 mit der Aufschrift „Drei oder vier Tropfen Höhe haben nichts mit Wildheit zu tun“bezeichnete. Im Dezember 1916 umschloss er einen hohlen Garnball in zwei Metallplatten und bat seinen Freund und Förderer Walter Arensberg, einen kleinen Gegenstand darin zu verstecken, ohne ihn sehen zu lassen; es heißt Mit verstecktem Lärm. Dies und der Kamm überleben als Originale.,
All dies war ein privates Spiel, bis Duchamp, Arensberg und der Künstler Joseph Stella im April 1917 die Mott Ironworks in New York besuchten, um ein Porzellan-Urinal zu kaufen, das die Kunstwelt in Manhattan schockieren und Duchamp die Möglichkeit geben würde, die Kunstphilosophie von Herrn Mutt zu erklären:“Er HAT es gewählt … und schuf einen neuen Gedanken für dieses Objekt.“
Ihr Kampf, sich über den Status eines reinen Handwerkers zu erheben, hat Künstler seit dem 15. In der Renaissance typisierte Leonardo da Vinci den Künstler als Denker., Duchamp identifizierte sich mit Leonardo, einem Fandom, das Sie vielleicht nicht von seinem berüchtigten 1919 „Rectified Readymade“ erraten, als er einen Schnurrbart auf die Mona Lisa zeichnete. In all den Jahren, in denen er die Idee des Readymade weiterentwickelte, arbeitete Duchamp an einem immens ehrgeizigen Meisterwerk, Die Braut wurde sogar von ihren Junggesellen entblößt, was aufwändige Forschung beinhaltete, beginnend in einer Pariser Bibliothek mit seinen Leseberichten über Perspektive. Wie Leonardo machte er reichliche, quasi-wissenschaftliche Notizen, von denen viele in der Green Box veröffentlicht wurden.,
Duchamps Idee der readymade ist das letzte, triumphale Endspiel in der westlichen Kunst lange Kampagne den intellektuellen Status des Künstlers zu etablieren (Duchamp, die gab offiziell Kunst Turnierschach zu spielen, war eine Autorität auf Endspiele). Darin sind seine Vorgänger nicht nur Leonardo, sondern Sir Joshua Reynolds und all jene Akademiker, die darauf bestanden, dass ihre eine geistige Berufung waren.
Und doch wählte er nicht einfach ein Objekt aus und nannte es Kunst. Eine seiner Notizen in der Grünen Box erinnert sich daran, seine Ausgabe von Readymades zu begrenzen. Es gibt nicht so viele., Etwas verbindet sie alle; Ihre Bedeutung und ihr Zweck sind klar. Es sind alles gefertigte Objekte: Er hat nie eine Landschaft oder ein Naturobjekt als Kunstwerk bezeichnet. Er sah Kunst nicht nur überall im Alltag, sondern speziell in der kapitalistischen industrialisierten Welt. Jahrhunderts eine Leidenschaft der Künstler, und Fotos von Duchamps Studio zeigen Totems der Massenproduktion. Sie finden Magie in der modernen Welt, und ihr Schlüssel ist die Braut von ihren Junggesellen entblößt, Sogar.,
Das große Werk, das er 1923 schließlich als „endgültig unvollendet“ aufgab, ist eine Allegorie des virtuellen Begehrens in einer Maschinenwelt. Es stellt sich zwei Bereiche vor, die durch separate Glasscheiben definiert werden. In der oberen Tafel befindet sich die „Braut“, wie eine Renaissance-Madonna, die in ein Paradies aufsteigt, das nicht von Engeln, sondern von einer Art metallischem Insekt unterstützt wird. Unten sind die „malischen Formen“, Junggesellen, die vergeblich Emanationen auf das Objekt ihrer Wünsche (oder Gebete) richten. Duchamps Junggesellenmaschinen mögen glücklich genug sein, Schokolade zu mahlen, aber sie werden niemals die Braut bekommen.,
Richard Hamilton, einer der tiefgründigsten Interpreten von Marcel Duchamp, machte die Kopie conforme der Braut entblößt, die auf permanenten Blick auf Tate Modern ist. In ihrem Vorwort zu The White Box, eine englische Ausgabe von einigen der abstruseren Notizen Duchamp, Hamilton und seine Co-Übersetzerin, Ekke Bonk, vergleichen Duchamps Meisterwerk mit der Zeitschrift Astounding Science Fiction – eine Idee, die uns hilft, die Idee des readymade zu verstehen. New York muss Duchamp als Schauspiel aus der Zukunft geschlagen haben., Von Otis-Aufzügen und Wolkenkratzern bis hin zu hochmodernen Bädern und Stahlkämmen waren „all die großen modernen Dinge“, wie Andy Warhol sie nennen sollte, bereits 1915 in Amerika vorhanden, während Europa immer noch frei von seinen alten Regimen kämpfte. Es muss diese Übersetzung in die Zukunft sein, die Duchamp seine unvergleichliche intellektuelle Freiheit gab, eine entfremdete Befreiung, die den Reisenden vertraut war. Er suchte die Entfremdung, zu der seine Readymades unheimliche Denkmäler sind.
Es gibt keine andere Kunst wie seine, trotz seines berüchtigten „Einflusses“., Er entdeckte etwas Neues; niemand kann es wieder entdecken. Jahrhunderts spielte einen großen Witz über die Geschichte, denn Duchamp, der Repliken seiner Werke sanktionierte und signierte und der Prophet des Simulacrum ist, ist in Wahrheit unnachahmlich.
· Duchamp, Man Ray, Picabia, ist in der Tate Modern, London SE1, von Februar 21 bis 26. Details: 020-7887 8888; tate.org.,uk
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