Mit Auteur Filmmaking betrachten wir die Werke von Regisseuren, ihr Leben und wie ihre Filme entstanden sind. Wir blicken zurück in die Vergangenheit, um zu analysieren, wie diese Regisseure ihre Visionen zu einem kohärenten Film geformt haben. Dabei werden wir in eine Zeit zurückversetzt, in der die Hollywood-Studio-Ära einige der besten Regisseure geschaffen hat, die jemals zusammen mit einigen der besten Filme bekannt waren.
Auch in dieser Zeit wurde der Begriff „Autorentheorie“ geschaffen, um die Reinheit und Transparenz des Stils der Filmemacher zu fördern., 1951 gründete eine Gruppe französischer Kritiker Cahiers du Cinema (Notebooks on Cinema), eine Zeitschrift, die in der Welt des Filmemachens einflussreich wurde. Sie wurden so einflussreich, dass 1954 einer der Zeitschriftenschreiber, Francois Truffaut, die einfache Idee vorschlug, dass ein Regisseur der Autor eines bestimmten Films ist. Seitdem wurde viel über die „Autorentheorie“ diskutiert.,“Sie konzentrierten sich auf die Arbeit des Regisseurs, die normalerweise als Mise-en-Scene (die Zusammensetzung von allem, was vor der Kamera erscheint, und ihre Arrangements sowie Kinematografie) bezeichnet wird, Themen und eine Tendenz, psychologische Geschichten in sozialen Umgebungen zu bevorzugen.
Die Theorie schlägt vor, dass, obwohl der Regisseur einen Kameramann, einen Bühnenbildner und einen Redakteur hat, sie alle mit dem Standpunkt des Regisseurs zusammenarbeiten, das heißt, seine Vision und seinen Stil auf den Film zu stempeln.,
Wenn es darum geht, den Regisseur zum „Autor“ seiner Arbeit zu machen, ähnlich wie ein Autor eines Romans, dann sollten alle Regisseure als Autoren betrachtet werden. Ihre Idee von Auteurismus bestand jedoch darin, zwischen Filmen und Filmen zu unterscheiden, die eines ernsthaften Studiums würdig sind, was sie in Stil und Stimme einzigartig macht. Schließlich, so Truffaut, “ gibt es keine guten oder schlechten Filme, nur gute und schlechte Regisseure.,“
Der Theorie führte die Neubewertung von Filmen und Regisseuren wie Alfred Hitchcock, Howard Hawks, William Wyler, John Huston, Charles Chaplin, John Ford, ein paar zu nennen, der ab den 1950er Jahren während der Hollywood studio era.
Was ist jetzt? Was soll man über die neueren Filmemacher sagen? Kann die gleiche Theorie heute angewendet werden? Wenn ja, wären die modernen Autorenfilmer beispielsweise abgeschiedener zu Filmfestivals und Arthouse-Kinos, oder können sie es auch schaffen, Filme innerhalb des Studiosystems zu drehen, die auch ein breiteres Publikum ansprechen?,
Die folgenden Regisseure sind Namen, die kürzlich in einem ungezwungenen Gespräch aufgetaucht sind. Wir waren uns beide einig, dass, um heute als Autor betrachtet zu werden, der Regisseur auch in den Schreibprozess einbezogen werden sollte. Die erste Hälfte dieser Liste stammt aus diesem Gespräch und die andere Hälfte basiert auf meiner bescheidenen Meinung. Ich werde Ihnen hier keine tiefe Analyse ihrer Arbeit anbieten, sondern nur, wie sie in diese Theorie passen. Hier ist eine Liste einiger Regisseure, die eine gewisse Anerkennung als Autor Filmemacher unserer Zeit verdienen.
10., Paul Thomas Anderson
Lassen Sie mich mit dem Mann beginnen, der mich dazu gebracht hat, über diese Liste nachzudenken. So viel wurde bereits über seine Arbeit gesagt, analysiert und diskutiert. Anderson hatte Mitte der 90er Jahre sein Regiedebüt. Seitdem hat er ernsthafte Studienfilme gedreht. Jeder könnte versuchen zu behaupten, dass seine Filme künstlerischer als kommerziell sind. Unabhängig davon ist seine Arbeit so akribisch angelegt, dass die großen Filmstudios bereit sind, ihn zu finanzieren, weil sie wissen, dass das allgemeine Publikum seine Filme sehen wird, während das Nischenpublikum immer noch die Tiefe seines Inhalts genießen wird., Er ist einer der angesehensten und verfestigt Regisseure, die wir jetzt haben. Seine größte Inspiration war Hollywood-Regisseur Robert Altman, und diese beiden arbeiteten zusammen an Altmans letztem Film, A Home Prairie Companion.
Jetzt, wo Mr. Anderson berühmt dafür ist, seine eigenen Filme zu schreiben, ist es wahrscheinlich keine Überraschung. Dieser erfahrene Filmemacher weiß, wie man mächtige Charaktere mit Intelligenz und Geschmack schreibt, und eine Tendenz, psychologische Geschichten in sozialen Umgebungen zu bevorzugen, ähnlich wie ein anderer Hollywood-Regisseur William Wyler aus der B&W era., Wir können diese Tendenz in Filmen wie Magnolia, There Will Be Blood und The Master sehen. Anderson ist berühmt für lange Aufnahmen, die in fast jedem Film zu sehen sind (die Eröffnung von Boogie Nights ist ein gutes Beispiel) und die Komplexität der Charakterisierung. Der Soundtrack und die Partitur haben auch einen großen Einfluss. In Magnolia, zum Beispiel, wenn die Kamera beginnt Zeichen auf die TV-Show zu folgen, die Partitur begleitet die Kamerabewegung und verstärkt sich in dramatischen Momenten, oder spielt Low-Key im Hintergrund, fast unbemerkt in anderen.
9., Wes Anderson
Wes Anderson kreiert seinen eigenen visuellen Stil, der einen gemischten Look aus Animation und Realität sowie narrativen Tendenzen ergibt. Jeder Anderson-Film trägt sehr originelle Rahmen und Geschwätz gefüllt Drehbuch. Der Mann ist ein VISIONÄR. Sein komischer Ton und Timing sind scharf mit mindestens einem Charakter in jedem mit ihrem aktuellen Projekt oder Mission besessen. Seine Besondere ästhetik kann sich sehen in Filmen wie Moonrise Kingdom, The Royal Tenebaums, Rushmore, und Der Fantastische Mr. Fox.,
In seinem neuesten Film The Grand Budapest Hotel fühlt sich die Kolorierung wie ein wunderschönes Märchenbuch an, das hypnotisiert. Anderson Stempel seine Unterschrift mit gut dollied Kinematographie, die einige neigen dazu, „anspruchsvolle Aufnahmen nennen.“Anderson hat auch seine Signatur hinzugefügt, um imaginäre Welten in seinen Geschichten zu schaffen. Moonrise Kingdom findet in „New Penzance“ statt, während sich das Grand Hotel in der Republik Zubrowka befindet. Anderson scheint ausländischen Filmen zu huldigen. Europäische Regisseure kommen mir wie Godard in den Sinn, hauptsächlich wegen der Farbpalette, die er wählt.,
8. Quentin Tarantino
Tarantino hat mir immer den Eindruck vermittelt, dass er unentgeltliche Gewalt fördert. Ich schlage nicht vor, dass Gewalt gerechtfertigt sein sollte, um zu geschehen. Ich bin eher davon ausgegangen, dass Tarantino beim Schreiben von Szenen effizienter war als Geschichten. Wenn ich meine Gefühle beiseite lege und seine Arbeit genauer betrachte…
Zuerst kreiert der Mann bemerkenswerte, eigenständige Charaktere. Wer kann unvergessliche Charaktere wie die von Uma Thurman in Kill Bill oder Shoshana Dreyfus in Inglorious Basterds vergessen?, Ja, Pulp Fiction hat auch großartige Charaktere! Die Komplexität der Charakterisierung, das Motiv und der Stil werden in seinen Filmen sichtbar und konstant. Western, japanischer Anime und Kampfkunst haben Tarantino weitgehend beeinflusst.
7. Terrence Malick
In 40 Jahren hat Malick nur sechs Filme gedreht. Vielleicht kann das erklären, warum die Leute mit ihm nicht so vertraut sind. Er ist dafür bekannt, ein zurückgezogener Regisseur zu sein und vermeidet die Presse wie der Teufel vermeidet das Kreuz. Sein Privatleben steht an erster Stelle., Unabhängig von seiner Entscheidung hat Malick einige großartige Filme beigesteuert. Ich wurde zuerst eingeführt, um seine filmische Welt, mit Der Thin Red Line (1998), und bewunderte seine Arbeit seitdem. Filmstudios beschäftigen sich mit Fristen, aber Malick ist dafür bekannt, „wegzuwandern und mit Film zu experimentieren“ und nicht so rücksichtsvoll mit diesen Fristen umzugehen. Im Laufe der Zeit haben das moderne Hollywood Studio System und Malick gelernt, mit ihren Unterschieden umzugehen.
Dennoch ist er ein Meister, wenn die Autorentheorie auf seine filmische Arbeit angewendet wird., Er bevorzugt die Kinematografie von natürlichem Licht gegenüber dem in einem Studio geschaffenen. Er liebt die“ magische Stunde “ (Sonnenaufgang oder Sonnenuntergang), um Szenen zu drehen. Im Nachhinein haben die Klänge der Natur in seinen Filmen in Badlands, Days of Heaven, The Thin Red Line und The New World einen prominenten Fußabdruck hinterlassen. Die Geräusche von Vögeln, Grillen und anderen verschiedenen Tieren sind fast konstant und repräsentieren die Verbindung des Menschen mit der Natur. Und eine seiner größten Unterschriften in seinen Filmen ist sicherlich die vorherrschende Verwendung von Voice-Over. Ein fortschrittliches Drehbuchportal, das er im Laufe der Zeit langsam missbraucht hat.,
6. Martin Scorsese
„Du sprichst mit mir?“Scorsese hat das Publikum auf die andere Seite von New York City eingeladen. Taxi Driver (1976) ist eine thematische Hommage an John Fords The Searchers (1956), die den Beginn von Charakteren markiert, die soziale Außenseiter sind (Protagonisten als Antagonisten). Obwohl Scorsese nicht dazu neigt, seine eigenen Filme so sehr zu schreiben (er hat Goodfellas und Casino mitgeschrieben), ist er ein Meister, der zeigt, wie begabt er durch Krimis oder die großartige Romanze The Age of Innocence (1993) ist.
Was macht ihn dann zum Autor?, Das Thema und der Stil sind in seinen Filmen konstant und er konzentriert sich normalerweise mehr auf männliche Charaktere, in einer Welt der Gewalt, in der die Starken überleben werden. Für Scorsese ist es das Gesetz des (Beton -) Dschungels! Seine Mise-en-Szene wird in Zeitlupe bemerkt (um einen Moment psychischen Zwangs zu erhöhen) und die Verwendung von langen Tracking-Aufnahmen, wie sie bei Taxifahrern und Goodfellas zu sehen sind. Darüber hinaus ist die Verwendung von Popmusik in den meisten seiner Filme ständig präsent.
5., Todd Haynes
Eines der Dinge, die Haynes gut gemacht hat, ist es, die neue Welle des schwulen Kinos in einer Zeit in Hollywood besser zu beleuchten, in der Homosexualität in Filmen nicht viel gesehen wurde. Nicht jeder Haynes-Film ist ein großer Hit, aber seine einzigartige Stimme und sein Stil sind spürbar. Er hat die Sensibilität, die Kämpfe des Lebens durch seinen einfachen Stil der Mise-en-Scene einzufangen.
Die Geschichte von Safe (1995) wird aus der Ferne durch viel Loslösung gedreht, wobei seine Kamera mit selten Nahaufnahmen vom Charakter entfernt ist. Elemente der Angst und Paranoia verkörpern den Film., Die Bearbeitung hilft nur, dieses Gefühl der Angst und des eventuellen Zusammenbruchs zu erzeugen. Velvet Goldmine (1998) über die verrückten Tage des glam rock in den 1970er Jahren, als ein Fehltritt. Inspiriert von Regisseur Douglas Sirk (1950er Jahre Filme mit Melodram und üppigen Farben gefüllt), schreibt und leitet er Far from Heaven (2002), die sich mit Repression beschäftigt, ein Thema, das aktuell wird, und die Verwendung der gesättigten Technicolor-Palette hier markiert auch seinen Stil. I ‚ m Not There (2007) ist eine andere Geschichte über musikalische Figuren., Kürzlich adaptierte er „Mildred Pierce“ für HBO und sein Thema Repression und Trennung sind ebenfalls vorhanden. Einige mögen argumentieren, dass es zu früh sein könnte, Haynes zu einer solchen Liste hinzuzufügen, aber ich behalte definitiv seine Arbeit im Auge.
4. David O. Russell
Russell arbeitet sich als Autor hoch. Sein Regiedebüt, Spanking the Monkey (1994), befasst sich mit Familienkämpfen; ein Thema, das in seinen Filmen konsistent wird. Der Ton seiner Filme ist geprägt von dunklem Humor und satirischen Sozialkommentaren.,
In The Fighter (2010) etabliert sich die Konsistenz seiner Themen: Mit Botschaften, die Familie vor Problemen bewahren kann. Die Komplexität der Charaktere und seine Arbeit gewinnen Bekanntheit. Seine Charaktere sind hin-und hergerissen zwischen Familie, Berufswahl und Liebesinteressen. Seine folgenden Arbeiten werden seine Tendenzen unterstützen. Silver Linings Playbook (2012), eine dunkle romantische Komödie, die sich mit Liebe befasst, kann Sie vor psychischen Erkrankungen bewahren, während American Hustle (2013) zeigt, dass Sie, wenn Sie eine ehrliche Person sind, nicht alleine enden werden., Russell wird auch mit seiner Mise-en-Scene bekannt, wenn sich die Kamera zu Charakteren bewegt, weg von Charakteren und sogar Kreisen um Charaktere.
3. Woody Allen
Was soll man heute über einen der größten amerikanischen Kollaborateure sagen? Er gehört zu unseren einflussreichsten, umstrittensten und produktivsten Filmemachern. Trotzdem erforschen seine Themen den Sinn des Lebens und der Liebe mit einer Erklärung über den Tod. Er hat auch große Rollen für Frauen geschaffen., Sein jüngster Film, zum Beispiel Blue Jasmine (2013), gab Cate Blanchet einen Oscar für die beste Leistung in einer Hauptrolle.
Die Verwendung von Untertiteln in Annie Hall (1977) und Split Screen wurde zu einer sofortigen Signatur seines Regiestils. Der Noir-Stil von Manhattan (1979) verleiht der Romantik eine magische Qualität. Dieses Genie ist auch einer jener Fälle geworden, in denen Menschen ihn entweder lieben oder hassen. Und es hat nichts mit seinem Privatleben zu tun, das öffentlich gemacht wurde. Es ist, weil Allen in seinen Filmen zu handeln verwendet und neurotische Charaktere gespielt, die diese Linie sehr deutlich gezogen., In jüngerer Zeit entschied er sich jedoch, nur hinter der Kamera zu arbeiten und weiter zu schreiben.
2. Christopher Nolan
Nolan hat viel Arbeit gezeigt und sich als Schriftsteller/Regisseur gefestigt. Es besteht kein Zweifel, dass seine Filme definitiv Hollywood-Blockbuster sind. Was ihn zu dieser Liste bringt, ist, dass seine Unterschrift, wenn seine Arbeit analysiert wird, offensichtlich wird, was ihn zum Autor macht und den kommerziellen Erfolg seiner Filme widerspiegelt.
Seine Charaktere fühlen sich losgelöst von ihrer Umgebung, nicht Teil dieser Welt., Vielleicht hilft uns das zu verstehen, dass die meisten seiner Filme meist Adaptionen sind. Diese Charaktere beschäftigen sich mit Selbstzweifel und moralischer Mehrdeutigkeit. Seine Themen sind Angst, Opfer, Chaos und Schmerz mit dunklen und düsteren Tönen aufgrund schwerer Probleme. Zum Beispiel ist der Joker in The Dark Knight einer der beunruhigendsten und faszinierendsten Charaktere auf der großen Leinwand.
1. Gus Van Sant
Gus ist der Öffentlichkeit eher als Regisseur bekannt, aber My Own Private Idaho ist eines der früheren und gewagteren seiner Drehbücher., Schon früh in seiner Karriere etablierte er gemeinsame Themen wie die Schaffung alternativer Familien und persönlicher Reisen, Freundschaften und Mentor-Schüler-Beziehungen. Obwohl er für das Hollywood Studio System arbeitete, wird er am meisten von europäischen Filmemachern beeinflusst.
Good Will Hunting (1997), eine exploration der menschlichen Seele, Finding Forrester (2000) thematisiert die Freundschaft zwischen einem Afro-Amerikaner akzeptiert, um eine wichtige private Schule, während Sie Freundschaft mit einem Schriftsteller, und Milch (2011), ein Mann kämpft für die Bürgerrechte für die gay-community in den 1970er Jahren., Diese Filme waren kommerziell erfolgreich und Gus hatte die Gelegenheit, der Welt seine Unterschrift zu zeigen. Er ist auch dafür bekannt, ein Meistermitarbeiter zu sein, der das Beste aus Schauspielern mit den Charakteren herausholen kann, die sie darstellen; Er zieht es auch vor, seine Filme hauptsächlich vor Ort statt am Set zu drehen.