Con il cinema d’autore, guardiamo le opere dei registi, le loro vite e come i loro film sono diventati. Guardiamo al passato per analizzare come questi registi hanno plasmato le loro visioni in un film coerente. In tal modo, siamo trasportati indietro a un tempo in cui l’era degli studi di Hollywood ha creato alcuni dei migliori registi mai conosciuti insieme ad alcuni dei migliori film.
È stato anche in questo periodo che è stato creato il termine “teoria dell’autore” per difendere la purezza e la trasparenza dello stile dei registi., Nel 1951, un gruppo di critici francesi fondò Cahiers du Cinema (Quaderni sul cinema), una rivista che divenne influente nel mondo del cinema. Divennero così influenti che, nel 1954, uno degli scrittori della rivista, Francois Truffaut, propose la semplice idea che un regista fosse l’autore di un determinato film. Da allora, molto è stato discusso sulla ” teoria dell’autore.,”Si sono concentrati sul lavoro del regista, di solito indicato come la messa in scena (la composizione di tutto ciò che appare davanti alla macchina da presa e i suoi arrangiamenti, e la cinematografia), temi e una tendenza a favorire storie psicologiche in contesti sociali.
La teoria propone che anche se il regista ha un direttore della fotografia, uno scenografo e un montatore, stanno tutti collaborando con il punto di vista del regista, che è quello di imprimere la sua visione e il suo stile sul film.,
Se questo è ciò che serve per rendere il regista “autore” della sua opera, analogamente a un autore di un romanzo, allora, tutti i registi dovrebbero essere considerati autori. Tuttavia, la loro idea di autoreismo era di fare una distinzione tra film e film degni di studio serio, rendendoli unici per stile e voce. Dopotutto, come ha affermato Truffaut, ” Non ci sono film buoni o cattivi, solo registi buoni e cattivi.,”
La teoria ha portato alla rivalutazione di film e registi come Alfred Hitchcock, Howard Hawks, William Wyler, John Huston, Charles Chaplin, John Ford, per citarne alcuni, dagli anni 1950 in poi durante l’era degli studi di Hollywood.
Che dire ora? Cosa dire dei registi più recenti? La stessa teoria può essere applicata oggi? In tal caso, i registi d’autore moderni sarebbero più appartati ai festival cinematografici e ai cinema d’autore, per esempio, o possono anche riuscire a realizzare film all’interno del sistema di studio che piacerà anche a un pubblico più ampio?,
I seguenti registi sono nomi che sono emersi in una recente conversazione casuale. Entrambi abbiamo convenuto che, per essere considerato un autore oggi, il regista dovrebbe essere coinvolto anche nel processo di scrittura. La prima metà di questa lista deriva da questa conversazione e l’altra metà si basa sulla mia umile opinione. Non ho intenzione di offrirvi alcuna analisi approfondita del loro lavoro qui, ma solo come si inseriscono in questa teoria. Ecco un elenco di alcuni registi che meritano qualche riconoscimento come registi d’autore dei nostri tempi.
10., Paul Thomas Anderson
Vorrei iniziare con l’uomo che mi ha fatto pensare a questa lista. Tanto è già stato detto, analizzato e discusso sul suo lavoro. Anderson ha avuto il suo debutto alla regia a metà degli anni ‘ 90. Da allora, ha realizzato film di serio studio. Chiunque potrebbe provare a sostenere che i suoi film sono più artistico che commerciale. Indipendentemente da ciò, il suo lavoro è così meticolosamente creato che i grandi studi cinematografici sono disposti a finanziarlo, perché sanno che il pubblico generale guarderà i suoi film, mentre il pubblico di nicchia godrà ancora della profondità dei suoi contenuti., È uno dei registi più rispettati e solidificati che abbiamo ora. La sua più grande ispirazione fu il regista hollywoodiano Robert Altman, e questi due lavorarono insieme nell’ultimo film di Altman, A Home Prairie Companion.
Ora che il signor Anderson è notoriamente noto per aver scritto i suoi film probabilmente non è una sorpresa. Questo abile regista sa scrivere personaggi potenti con intelligenza e gusto, e una tendenza a favorire storie psicologiche in contesti sociali, simile a un altro regista hollywoodiano William Wyler dell’era B & W., Possiamo vedere questa tendenza in film come Magnolia, There Will Be Blood e The Master. Anderson è famoso per le lunghe inquadrature che possono essere notate in quasi tutti i film (l’apertura di Boogie Nights è un buon esempio) e la complessità della caratterizzazione. Anche la colonna sonora e il punteggio hanno un grande impatto. In Magnolia, ad esempio, quando la fotocamera inizia a seguire i personaggi diretti allo show televisivo, la partitura accompagna il movimento della fotocamera e si intensifica nei momenti drammatici, o suona in basso sullo sfondo, quasi impercettibile in altri.
9., Wes Anderson
Wes Anderson crea il proprio stile visivo, dando un aspetto misto di animazione e realtà, e tendenze narrative. Ogni film di Anderson sfoggia inquadrature altamente originali e sceneggiature piene di chiacchiere. Quell’uomo è un visionario. Il suo tono comico e tempismo sono taglienti con almeno un personaggio in ogni essere ossessionato con il loro progetto attuale o missione. La sua particolare estetica può essere vista in film come Moonrise Kingdom, The Royal Tenebaums, Rushmore e The Fantastic Mr. Fox.,
Nel suo ultimo film, The Grand Budapest Hotel, la colorazione sembra un bellissimo libro di fiabe che ipnotizza. Anderson timbra la sua firma con una cinematografia ben truccata che alcuni tendono a chiamare ” colpi impegnativi.”Anderson ha anche aggiunto la sua firma per creare mondi immaginari nelle sue storie. Moonrise Kingdom si svolge in “New Penzance” mentre il Grand Hotel si trova nella Repubblica di Zubrowka. Anderson sembra rendere omaggio ai film stranieri. I registi europei vengono in mente come Godard, principalmente a causa della tavolozza dei colori che sceglie.,
8. Quentin Tarantino
Tarantino mi ha sempre dato l’impressione che promuova la violenza gratuita. Non sto suggerendo che la violenza dovrebbe essere giustificata per accadere. Sono stato più sotto il presupposto che Tarantino era più efficiente nella scrittura di scene di storie. Mettendo da parte i miei sentimenti e dando un’occhiata più da vicino al suo lavoro First
In primo luogo, l’uomo crea personaggi straordinari e indipendenti. Chi può dimenticare personaggi memorabili come quelli interpretati da Uma Thurman in Kill Bill, o Shoshana Dreyfus in Inglorious Basterds?, Sì, Pulp Fiction ha grandi personaggi troppo! La complessità della caratterizzazione, il motivo e lo stile diventano visibili e costanti in tutti i suoi film. Western, Anime giapponesi e arti marziali hanno ampiamente influenzato Tarantino.
7. Terrence Malick
Nel periodo di 40 anni, Malick ha diretto solo sei film. Forse questo potrebbe spiegare perché le persone potrebbero non essere così familiari con lui. È noto per essere un regista solitario ed evita la stampa come il diavolo evita la croce. La sua vita privata viene prima di tutto., Indipendentemente dalla sua decisione, Malick ha contribuito alcuni grandi film. Sono stato introdotto per la prima volta nel suo mondo cinematografico con The Thin Red Line (1998) e da allora ho ammirato il suo lavoro. Gli studi cinematografici si occupano delle scadenze, ma Malick è noto per “vagare e sperimentare con il cinema” e non essere così premuroso di queste scadenze. Nel corso del tempo, il moderno Hollywood studio system e Malick hanno imparato a gestire le loro differenze.
Tuttavia, quando la teoria dell’autore viene applicata al suo lavoro cinematografico, è un maestro., Preferisce che la cinematografia sia di luce naturale rispetto a quella creata in uno studio. Ama l ‘” ora magica ” (alba o tramonto) per girare scene. In retrospettiva, in tutta Badlands, Giorni del cielo, La sottile linea rossa, e Il Nuovo mondo, i suoni della natura hanno fatto un ” impronta prominente nei suoi film. I suoni di uccelli, grilli e altri vari animali sono quasi costanti e rappresentano la connessione dell’uomo con la natura. E, una delle sue più grandi firme in tutti i suoi film è certamente l’uso prevalente di voice-over. Un portale di sceneggiatura avanzato che ha lentamente abusato nel tempo.,
6. Martin Scorsese
“Stai parlando con me?”Scorsese ha invitato il pubblico dall’altra parte di New York. Taxi Driver (1976) è un omaggio tematico a The Searchers (1956) di John Ford, che segna l’inizio di personaggi che sono disadattati sociali (protagonisti come antagonisti). Anche se Scorsese non tende a scrivere i suoi film più di tanto (ha co-scritto Quei bravi ragazzi e Casinò), è un maestro che mostra quanto sia dotato attraverso drammi polizieschi o la superba storia d’amore, The Age of Innocence (1993).
Cosa lo rende un autore, allora?, Il tema e lo stile sono costanti in tutti i suoi film e di solito si concentra più sui personaggi maschili, in un mondo di violenza dove i forti sopravviveranno. Per Scorsese, è la legge della giungla (concreta)! La sua messa in scena è notata al rallentatore (per aumentare un momento di costrizione psicologica) e l’uso di lunghi scatti di tracciamento come si vede in Taxi Driver e Goodfellas. Inoltre, l’uso della musica pop è costantemente presente nella maggior parte dei suoi film.
5., Todd Haynes
Una delle cose che Haynes ha fatto bene è mettere la nuova ondata del cinema gay in una luce migliore durante un periodo a Hollywood in cui l’omosessualità non era vista molto nei film. Non tutti i film di Haynes sono un grande successo, ma la sua voce e il suo stile unici sono evidenti. Ha la sensibilità di catturare le lotte della vita attraverso il suo stile semplice di messa in scena.
La storia di Safe (1995) è ripresa da lontano attraverso un sacco di distacco con la sua macchina fotografica distante dal personaggio con raramente primi piani. Elementi di paura e paranoia incarnano il film., L’editing aiuta solo a creare quel senso di paura e l’eventuale rottura. Velvet Goldmine (1998), sui pazzi giorni del glam rock negli anni ‘ 70, è considerato un passo falso. Ispirato dal regista Douglas Sirk (film degli anni ‘ 50 pieni di melodramma e colori lussureggianti), scrive e dirige Far from Heaven (2002), che tratta della repressione, un tema che diventa attuale, e l’uso della tavolozza di Technicolor saturi segna anche qui il suo stile. I’m Not There (2007) è un’altra storia di figure musicali., Recentemente, ha adattato “Mildred Pierce” per HBO e sono presenti anche il suo tema della repressione e della disconnessione. Alcuni potrebbero obiettare che potrebbe essere troppo presto per aggiungere Haynes a tale elenco, ma sto sicuramente tenendo d’occhio il suo lavoro.
4. David O. Russell
Russell si sta facendo strada come autore. Il suo debutto alla regia, Spanking the Monkey (1994), si occupa di lotte familiari; un tema che diventa coerente nei suoi film. Il tono dei suoi film è caratterizzato da umorismo nero e commento sociale satirico.,
In The Fighter (2010), la coerenza dei suoi temi si stabilisce: con i messaggi che la famiglia può salvarti dai problemi. La complessità dei personaggi e il suo lavoro acquisiscono notorietà. I suoi personaggi sono divisi tra famiglia, scelte di carriera e interessi amorosi. Le sue opere seguenti sosterranno le sue tendenze. Silver Linings Playbook (2012), una commedia romantica oscura che si occupa di amore può salvarti dalla malattia mentale, mentre American Hustle (2013) mostra che se sei una persona onesta, non finirai da solo., Russell ottiene anche notorietà con la sua messa in scena quando la telecamera si sposta verso i personaggi, lontano dai personaggi e persino dai cerchi intorno ai personaggi.
3. Woody Allen
Cosa dire di uno dei più grandi collaboratori americani al giorno d’oggi? È tra i nostri registi più influenti, controversi e prolifici. Detto questo, i suoi temi esplorano il senso della vita e dell’amore con un segno di spiegazione sulla morte. Ha anche creato grandi ruoli per le donne., Il suo film più recente, ad esempio, Blue Jasmine (2013), ha dato a Cate Blanchet un Oscar per la migliore interpretazione in un ruolo da protagonista.
L’uso dei sottotitoli in Annie Hall (1977) e split screen divenne una firma immediata per il suo stile di regia. Lo stile noir di Manhattan (1979) dà una qualità magica al romanticismo. Questo genio è diventato anche uno di quei casi in cui le persone lo amano o lo odiano. E non è legato alla sua vita privata resa pubblica. È perché Allen recitava nei suoi film e interpretava personaggi nevrotici che disegnavano quella linea molto chiaramente., Tuttavia, più recentemente, ha scelto di lavorare solo dietro la macchina da presa e continuare a scrivere.
2. Christopher Nolan
Nolan ha mostrato una notevole quantità di lavoro e si è solidificato come scrittore/regista. Non c’è dubbio che i suoi film siano sicuramente blockbuster hollywoodiani. Ciò che lo porta a questa lista è quando il suo lavoro viene analizzato, la sua firma inizia a diventare evidente, rendendolo un autore e riflettendo il successo commerciale dei suoi film.
I suoi personaggi si sentono distaccati dal loro ambiente, non fanno parte di questo mondo., Forse questo ci aiuta a capire il fatto che la maggior parte dei suoi film sono per lo più adattamenti di qualche tipo. Questi personaggi si occupano di insicurezza e ambiguità morale. I suoi temi riguardano la paura, il sacrificio, il caos e il dolore con toni scuri e cupi a causa di problemi pesanti. Ad esempio, il Joker in The Dark Knight è uno dei personaggi più inquietanti e intriganti sul grande schermo.
1. Gus Van Sant
Gus è più noto al grande pubblico come regista, ma il mio Idaho privato è uno dei primi e più audaci delle sue sceneggiature., Fin dagli inizi della sua carriera, ha stabilito temi comuni come la creazione di famiglie alternative e viaggi personali, amicizie e relazioni mentore-studente. Anche se ha lavorato per l’Hollywood studio system, è più influenzato dai registi europei.
Good Will Hunting (1997), un’esplorazione dell’anima dell’uomo, Finding Forrester (2000), esplora l’amicizia tra un afro-americano accettato in un’importante scuola privata mentre fa amicizia con un romanziere, e Milk (2011), un uomo che combatte per i diritti civili per la comunità gay negli anni ‘ 70., Questi film hanno avuto successo commerciale e Gus ha avuto l’opportunità di mostrare al mondo la sua firma. Egli è anche noto per essere un maestro collaboratore, che può portare il meglio degli attori con i personaggi che ritraggono; egli preferisce anche girare i suoi film principalmente sul luogo invece che sul set.