ヴォルフガング-アマデウス-モーツァルトは、多くの点で卓越したままである交響曲を高みに上げました。 彼の50の奇妙な交響曲のうち、1764年から1788年の間に制作された最古のものは、ヨハン-クリスチャン-バッハ、ジョヴァンニ-バッティスタ-サンマルティーニ、ヨーゼフ-ハイドンの影響を反映して、従来のものであるが早熟である。 爽快な第一楽章が優勢であり、軽いカンタービレ楽章と速いフィナーレまたはメヌエット（彼の交響曲のメヌエットは主に1767年以降のものである）が続く。, 交響曲変ロ長調K22（1765年、”K”または”Köchel”番号—ルートヴィヒ、リッター（騎士）フォンKöchel、モーツァルトの音楽コーパスをカタログ化した学者にちなんで名付けられた—モーツァルトの作品を識別する標準的な方法である）は、ト短調の鍵で美しい半音階のゆっくりとした動きを含んでいる。
アメリカ議会図書館、ワシントンD.c.（ファイルno., LC-USZ62—87246)
モーツァルトのヨーロッパの主要な音楽の流れへの露出は、深刻なドイツのポリフォニーと遊び心のあるイタリアの同音異義語とオペラスタイル, これは、シュトゥルム—ウント-ドラングの作品と彼の最初のマイナーキー交響曲K183（1773）と、陽気な交響曲イ長調K201（1774）で明らかである。 これらの作品では、関心のバランスが最後の動きにシフトします。 クロージングセクションを拡張し、トニックを再確認するコーダの追加、遅い動きとメヌエットの増加した長さと範囲、および成長オーケストラの感度は、すべての成熟に向かってポイント。 ハイドンのものとは対照的に、モーツァルトのゆっくりとした動きは、その固有のドラマとソナタ形式に傾いています。,
モーツァルトはハイドンとは異なり、正式な実験者ではなく、後の作品で成功した構造的定式化を再利用しました。 それは彼を離れて設定したメロディーの彼の治療でした。 彼は一つの構造を無視することを好み、そして彼の第一および第二のテーマは、民俗的でもモザイク的でもなく、強くコントラスト。 彼の調和範囲はハイドンに比べて狭いですが、彼の範囲内で彼は常にテーマの材料を変換しました。 開発セクションは、より広い色調のフィールド上の新しいテーママテリアルと変調の導入と拡大します。 彼の要約は簡単である傾向があります。, この成熟した時期に、モーツァルトの交響曲は、より完全な模倣、より多くの歌の形、そしてより自由な器楽（交響曲ニ長調K297は、クラリネットを導入する）を用いて、テーマ別にそして表情豊かに統一されるようになった。 モーツァルトはマンハイムを拒絶し、より統合されたダイナミクスを支持した。
©Cefidom/Encyclopædia Universalis
モーツァルトの過去10年間は、ハイドンの影響にさらされ、J.S.バッハの音楽に非常に気づいていました。 記念碑的な最後の六つの交響曲は、オペラと室内楽の作曲家としての彼の経験を反映しています。, ハ長調の交響曲K425は珍しく遅い半音階の導入を持っており、ニ長調の交響曲K504（プラハ）はメヌエットを省略し、ソナタ形式の三つの楽章をすべて持ち、カノニック展開（正確な模倣による発展）を使用している。 最後の三つの交響曲（K543、変ホ長調、K550、ト短調、K551、ハ長調）は、古典的なジャンルのサミットであり、そのハーモニーと対位法で大胆であり、k550の深刻なメヌエットは、ベートーヴェンの第五のスケルツォを予感させる。 （スケルツォは、急速な、リズミカルな、メヌエット由来の形です。,)
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モーツァルトは革命的ではありませんでした。 他の人の影響を受け入れ、彼は同化した以上のものを拒否し、すべてを独特の個人的なイディオムに変えました。, 彼の交響曲のいくつかは、オペラ序曲として使用されましたが、最高のものは、現代の味には考えられない付随音楽としての使用をするように、それ モーツァルトとハイドンの成熟した交響曲は、ムードとデザインが包括的です。 動作に応じてバランスつく人に慣れて聞いて思うことが難しいの置換のその他の動き, 標準的な四楽章の間の親密な関係に向かうこの傾向は、最高階層レベルでの統一を求めるこれらの作曲家の衝動を反映しています—彼らの低い同時代のほとんどにとって外国の傾向ですが、次の二世紀を通じて交響曲の進化における基本的な要因です。