クラシック音楽の期間は、西洋の洗練された器楽曲のすべてのための人気のある記述子としてその名前を与えているかもしれませんが、その実際のタイムラインは比較的短いです。 他の描写された音楽時代のすべては、少なくとも完全な世紀を得る。 しかし、古典的な時代は、しばしば十八世紀の後半として引用されています。 その最も長い時に、古典的な時代は遅くとも1820年までに終わった、わずか七十から八十年間を走った。 クラシック時代の短期間にもかかわらず、器楽曲への影響は膨大であった。,
この期間は、作曲に大きな影響を与えた古代の古典的価値観への哲学的および文化的な復帰のために、”古典”という名称をとる。 バロック時代は、古典的なローマとギリシャの哲学的、芸術的価値にヨーロッパの最初のリターンを終了しました。 古典的な時代は、順番に、バロック様式からの明確な休憩でした。 この記事では、クラシック時代の音楽の主な特徴、それが以前に来たものとどのように異なるか、そしてその名前が西洋の器楽音楽のより広い用語として使われるようになったかを知ることができます。,
クラシック時代の音楽が何であるかの簡単な説明
ほとんどの現代音楽ファンは、クラシック時代の音楽が普遍的な資質と魅力を持つよりシンプルでクリーンでヒューマニズム的な音楽表現を探求することから発展したことを学ぶことは奇妙であると思うでしょう。
普遍性への到達の一環として、古典的な時代の作曲家は、異なるヨーロッパの伝統でそれぞれ流行している資質の組み合わせを描いた。, ヨーロッパ各地の作曲家は、ドイツからの形式と精度、イタリアからの叙情的な芸術性、そしてフランスで評価された技術的な職人技を引き出して作品を作りました。 最終的に、彼らはどこでもあらゆる聴衆が識別し、認識可能な形態を開発した。
確かに、最も多くの人々を喜ばせる音楽を書き、演奏することは、古典的な時代の作曲家の主な目標でした。 彼らは、清潔でバランスのとれた、エレガントな音で作品を作成するために努力し, このため、クラシック時代の音楽が大きくhomophonic簡易なメロディーの支配下の調和および重要な使用のコード. 作曲家はまた、明らかにケイデンスによって中断されている様々な長さのフレーズの使用を増加させた。 このフレージングの変化とケイデンスの使用の増加は、作曲家が同じ仕事の中で気分や感情表現の多様な範囲を表示することができました。
ハイドンの交響曲第14番イ長調、初期古典時代の作曲の代表作。,
古典期はまた、交響曲や協奏曲など、依然として小さな”c”クラシック音楽の基礎を形成する多くの音楽形式の形式化を見ました。 この形式の標準化とより単純なメロディーにより、当時の作曲家は彼らの作品がどのように演奏されるべきかについてより多くの表記を含んでいた。 ヴィルトゥオーゾの時代はまだ来ていませんでしたが、個々の作曲家は、古典時代の間に召使いから教会または裁判所への移行を開始しました。,
クラシック時代の起源と文脈
クラシック時代の音楽は真空の中でそれ自体を生成しませんでした。 音楽は、ルネサンス、最も明らかに文化的なインスピレーションのためにギリシャとローマの古代世界へのリターンといくつかの特性を共有啓発の時代、と呼ばれる時間のより広範な文化の中で進化しました。 両方の期間には、教会が社会において支配的な役割を果たし、人々がその意志に昇華した時代が先行していました。
これとは対照的に、古代はより人間主義的なビジョンに保持されました。, それは共通の人類のすべてを結びつけた普遍的な理想の文脈の中で個性のためのスペースを提供しました。 これらの普遍的な理想は、理性、論理、弁証法を通してすべてにアクセスできる客観的真理を通して表現されました。 彼らは科学的発見を進めるために使用することができ、正式な、合理的な調査のためのフレームワークと基礎を定義したようにニュートンの著作は、非常に 経験的な問い合わせによって収集された情報は、分類と階層を通じて整理され、世界の共通理解を向上させることができます。, 政治哲学では、LockeやMontesquieuのような作家は、教会や君主制のような外部の権威によって付与されていないが、自然界に存在していた不変の個人の権利につ
芸術的なレベルでは、組織と論理の価値は、バランスと優雅さのより整然とした美学を通して自分自身を提示しました。 当時の視覚芸術は、古代を創造的な試金石として使用しているため、しばしば”新古典主義”と呼ばれています。
Glyptothek、Königsplatz、ミュンヘン、ドイツでの新古典派建築の例。 ディエゴ-デルソによる写真、ウィキコモンズの礼儀。,
時代の彫刻は、理想化された英雄的な人間の形の新古典主義のビジョンに焦点を当てました。 フードンは、ジョージ-ワシントンやヴォルテールのような現代の偉人の彼の新古典主義の胸像で有名でした。 イタリアの彫刻家カノーヴァは、多くの場合、三美神と彼のpugilistsのような古代の神話に基づいてフルフィギュア作品を作成しました。 これらの視覚芸術家や古典時代の作曲家は、比率やバランスなどの論理的で客観的なルールを実行することによって美そのものが達成できると信じ
カノーヴァ”三美神です。, 写真：Yair Haklai、ウィキコモンズの礼儀。
理性と個人の哲学的復活は、より多くの識字者の中産階級とともに、伝統的な当局の権力と支配を損ない始めました。 印刷の改善は、教会または君主制の支配外の公衆に知識を広げました。 人々は地元の権力に対する政治的批判を始め、自分の余暇の選択をすることができました。
音楽の文脈では、これは教会がもはや音楽家や作曲家の主要なパトロンではなく、高貴な裁判所でもなかったことを意味しました。, 貴族の家は古典的な時代に重要な音楽の後援者でしたが、富が増えている中産階級は家や生活の中でも音楽を望んでいました。 公共の音楽祭や公演も成長し始めました。 中産階級は観客だけでなく、アマチュアミュージシャンやホストになることに興味を持った。 これらの社会的な変化は、より単純でアクセスしやすい音楽の安定した流れを促した他の力でした。,
プロの作曲家やミュージシャンにとって、音楽に科学と組織を重視することは、作曲ルールを成文化することによって適用され、現在でも使用されているクラシック音楽の形態の多くが確立された。
クラシック時代の音楽の特徴
合理主義、普遍性、コスモポリティズム、優雅さの古典的な価値は、クラシック時代の音楽の芸術的なインスピレーションでした。,アンサイション
今日の審美的および哲学的価値をカプセル化する古典的な時代のデバイスの素晴らしい例：先行/結果のメロディーの使用は、明確な、線形メロディーを提示します。部分”sの端を示す調和したバランスおよび明確な決断。, ここでは、モーツァルトの交響曲ハ長調K.551の例
クラシック時代の音楽がバロック音楽からどのように分離したか
いくつかの主要な芸術的変化は、以前のものからの進化として起こり、他のものは先例のスタイルの拒絶から生じる。 クラシック時代の音楽を定義したものの多くは、バロック時代の美的価値観と特徴を拒絶するものと見なすことができます。
バロックとクラシックの間の足がかりとしてのギャランまたは”敏感なスタイル”音楽
バロックとクラシック音楽は、一時期共存していました。, 音楽の好みに移動を通じて、様々な遷移段階の前にバロック期間真に終了しました。 後期バロック期間を支配して新たな芸術というスタイル”ロココ.”ロココは、より軽く、より遊び心のあるスタイルとしてバロック芸術から出発し バロック芸術と建築は非常に偉大な装飾の繁栄で飾られています。
音楽では、ロココ様式はギャラン様式または敏感様式と呼ばれていました。 バロック音楽よりもエレガントで拘束され、だけでなく、あまり深刻。 作曲家はより調和した面のための流行の様式を楽しんだ。, しかし、ギャランスタイルの装飾が浅く、単に装飾的であったという感覚が高まっていることは、啓蒙主義の哲学的、整然とした好みとうまく一致しませんでした。 したがって、バロック様式の芸術的価値観と形を持つ最終的な強い休憩。,
バロック音楽とクラシック音楽の明確な区別
バロック音楽と比較すると、バロック音楽はより華やかで、主にポリフォニックで、より複雑なテクスチャを持ち、深く不自然な音を与え、クラシック時代の音楽はより自然で旋律的な雰囲気を提供するためにより単純なテクスチャを使用した。,
- クラシック時代の音楽は、それぞれ独自の感情的な中心を持つことができる明確な、別々のフレーズによって中断された線形基礎を持っていますが、一つの気分に焦点を当てた旋律とリズミカルなパターンを通して循環したバロック様式の組成物。
- クラシック時代の作曲家は、バロック作曲のリズムと調和の基礎であった固定された連続伴奏であるバッソ-コンティニュオを廃止しました。 作曲者は、メロディーにエクイポイズに存在していた各作品と特定の付随するベースラインとハーモニーを書いた。,
- 古典期の作曲家は、テンポとダイナミクスから派生した芸術的繁栄の多くとして増加した表記を提供し、すべての部分が仕事を通して凝集フレーズに組み合わせるように書かれていたように。
- チェンバロによってトーンで支配された豊かな質感のバロック音楽は、弦楽器や木管楽器などの古典的な時代の観客が好むより自然な響きの,
マンハイム学校からウィーン古典スタイルへ
ドイツの宮廷に拠点を置くマンハイム学校は、バロックと古典とその過渡的なスタイルとの重なりのこの期間中に成長しました。 マンハイムの作曲家は、十八世紀半ばに働いて、より完全に開発され、後で古典的な時代に成文化されるクラシック音楽の規範の早期採用者と革新者 マンハイム派の作曲家カール-スタミッツはこの時期の優れた例であり、彼の作品はギャラント様式の要素とソナタ形式の使用を示している。,
スタミッツのヴィオラ協奏曲第1番ニ長調
十八世紀後半までに、時には最初のウィーンの学校と呼ばれるウィーンの古典スタイルと古典時代の高さ ウィーンはヨーロッパの芸術と文化の震源地でした。 モーツァルト、ハイドン、ベートーヴェンを含むすべての偉大で良い作曲家がそこに招集されました。
交響曲やソナタ形式などの成文化された音楽形式が定着したのは、古典時代の中期および後期の段階であった。, これはまた、ベートーヴェンの弦楽四重奏曲ヘ長調Op.59、第1番（1806年）によって証明されるように、古典的な時代の音楽価値の頂点でもあった。
音楽形式の進化
ほぼ無制限の資源を持つ地元の教会や王室ではなく、高貴で地方のパトロンを持つことは、しばしば様々なスキルのミュージシャンを持つ古典的な作曲家を残した。 この相対的な希少性は、中産階級の音楽愛好家によって楽しまれ、演奏されることさえできる、より単純で普遍的な音楽の啓蒙的価値の時代とうまく その結果、クラシック時代の室内楽の成長が生まれました。, 例としては、
- 室内楽の形態ディヴェルティメンティ、セレナーデ、ノクターンなどの屋外コンサートやフェスティバルで一般的に演奏される
モーツァルトのEine kleine Nachtmusik KV525
- バロック三重奏ソナタから生まれた弦楽四重奏は、古典的な進化において、四つの楽器のそれぞれに明確な声を与えた。
ハイドンの弦楽四重奏曲Op.33、No.,
- 第一楽章：しばしばソナタ形式で、アレグロで
- 第二楽章：より遅く、より叙情的な、おそらくソナタ形式で
- 第三楽章：メヌエットとトリオ形式またはスケルツォとトリオ;ダンスを呼び起こす別の活気のある動き、メヌエットまたはスケルツォで挟まれたトリオで
- 第四楽章：エネルギッシュなフィナーレ、典型的にはソナタ形式またはロンド形式のいずれか
ソナタ形式の標準化は、四楽章交響曲の形式化に必要な部分でした。, この時代の間に、ソナタ形式は、テーマ別探査のその博覧会–開発–要約デザインに成文化されました。
バロック協奏曲グロッソに代わる古典時代に開発された他の二つの音楽形式：
- 個々のソリストのスキルを強調し、公共のコンサートのための魅力的 独奏協奏曲はバロック時代に存在していたが、古典時代に人気があったため、より広い範囲の楽器のために作曲された。,
- ソリストの複数のグループを使用して、お互いとオーケストラを対比するsymphonie concertante（またはsinfonia concertante）。
Joseph Boulogne”S,Chevalier de Saint Georges,Symphonie concertante in G Major
クラシック時代に登場するもう一つのポピュラー音楽フォーマットは、コミックオペラでした。 そんなに深刻なオペラはこの時期に流行していなかった。 それはしばしばグルックのOrfeo ed Euridiceのようなギリシャ神話からの物語を描いたものであり、しばしば描かれた。,
コミックオペラ、またはオペラブッファは、狂気の状況や愛のための壮大な検索で日常の人々の物語を語った–テレビのシットコムスタイルとは異 たとえば、二人の兵士がガールフレンドが忠実であるかどうかを賭けるモーツァルトのCosi Fan Tutteがあります。
古典期におけるオーケストラと楽器の進化
バロック時代からの主な出発の一つは、古典時代の作曲からチェンバロの消滅でした。, ピアノフォルテは十八世紀の半ばにそれを置き換えましたが、チェンバロがあったように、それは作品の中心的な楽器ではありませんでした。 しかし、ピアノの出現は、私たちが今日知っているように、十八世紀後半に到着し、古典的な作曲家は多くの協奏曲やソナタを書いて、それを愛しました。
弦は、人間の声を最もよく反映する彼らの特定の能力のために、より顕著になりました。 その人間、自然な要素は古典的な聴衆に魅力的でした。, モーツァルトは古典的な時代にピアノ伴奏でヴァイオリンソナタを公式化し、一般的に二つの楽章を含んでいた。 モーツァルトのヴァイオリンソナタ第21番ホ短調
木管楽器も顕著な役割を果たし、初めてオーケストラ内の別個のセクションとなった。 弦のように、木管楽器は自然でエレガントな音色を生み出す能力のために珍重されました。 オーケストラの標準となった木管楽器やホルン楽器の数と種類が増えました。
オーケストラ全体が成長し、古典期に標準化されました。, 四つの器楽セクションの基本的な形式は、マンハイム派の作曲家によって設定されました。 その後、古典期の間に、標準的なオーケストラのサイズは、特に木管楽器とホルンセクションで、既存の楽器に倍数を追加することによって増加した。 トロンボーンやフレンチホルンのような新しい楽器の組み込みも、より大きなオーケストラに貢献しました。
古典時代の作曲家とその作品を探る
ハイドン、モーツァルト、ベートーヴェンといった古典時代の三大人物をすでに味わっています。, 彼らはクラシック時代の音楽を鑑賞することであるように不可欠なように、他の才能のある作曲家や時間から注目に値する作品がありました。 あなたが古典的な作曲家のより広い配列により深いのように知っておく必要がある10の古典的な作曲家の私達のリストをチェックしてください。
ここの音楽サンプルが十分ではない（そして彼らは”再”ではない）場合、我々はまた、すべての時間の最高の古典的な期間の組成物の20をまとめました。
どのように”いくつかの古典的な対称性とシンプルさのためにそれだ！,
古典的な時代は、ロマンチックな時代のより個人的な探査のための基盤を設定します
フォームを標準化する美しさは、彼らがさらなる革新 古典期そのものの後の段階でさえ、古典作曲家はすでに彼らが組織した形で遊んでいました。
例えば、大きなオーケストラは強烈で壮大な表現のための乗り物になりました。 したがって、ベートーヴェンのいくつかの助けを借りて、それはロマンチックな時代の先駆けの触媒でした。 交響曲第3番変ホ長調（エロイカ）を聴いてみてください。